Meet Hayat, a talented fashion photographer born in Jeddah, Saudi Arabia in 1993. Growing up in Jeddah and later moving to Riyadh, she discovered her passion for photography at the age of 16, when she purchased her first “point and shoot” digital camera. Over the years, she honed her skills and developed her unique vision, using film photography as a way to document the diverse world around her.

Her work has been featured in major publications such as Vogue, GQ Middle East, and Harper’s Bazaar Arabia. She was selected as a speaker for the Ministry of Culture’s Fashion Futures platform in 2019, part of an artistic program in AlUla in 2022.  From photography to film, Hayat explores new horizons with textile art during her residency at Intermix in 2023.

– Can you present yourself briefly, what is your story ?

My name is Hayat Osamah, and I am a self-taught multidisciplinary artist. I am primarily passionate about fashion photography, as well as the creation of experimental and performance short films. My work is often influenced by my interest in textile experiments, and my ultimate goal is to continually push boundaries within the realm of visual arts.

– How would you define your practice ? 

My artistic practice is experimental and lies at the intersection of various visual mediums. I work with both analogue and digital media to explore different forms of expression. My subjects are often inspired by nature, human behavior, and my personal experiences, which serve as a wellspring for my ideas and works.

My ultimate goal is to continue growing and evolving as an artist and exploring new possibilities while staying true to my vision and values.

Intermix Residency________________________

– Your where part of the second edition of Intermix, why apply to this particular residency, what were you looking froward to ?

When I applied to the Intermix program, I was seeking an opportunity to challenge myself and elevate my artistic practice to new heights. I saw the program as a chance to connect with other artists who share my passion for experimentation and exploration. I wanted to surround myself with individuals who could inspire and motivate me to push beyond my comfort zone and venture into uncharted territory.

My experience in the program was not disappointing; I was able to collaborate with creatives from diverse disciplines and backgrounds, which broadened my creative perspective and challenged me to think differently. The program provided an environment of creative exchange and peer learning, which allowed me to gain new insights and refine my artistic vision. It was a transformative experience that helped me to grow and evolve as an artist.

– How was your experience at  Wendy Andreu’s workshop ?

The workshop with Wendy Andreu was a profound experience that pushed me beyond my creative limits. Through her mentorship, I was able to embrace new tools and techniques, experiment with my hands, and gain a deeper understanding of the power of tactile exploration. It was a challenging but necessary journey that has contributed greatly to my artistic practice.

Open Studios ________________________

– After a few months at Intermix, an open studio was organised for visitors to discover your works, what did you decide to show ?

At the open studio, I presented a series of works imbued with a deep sense of intentionality and collaboration with my chemist sister. Titled “I’ve Settled in the Midst of Your Physical Memory”, the pieces were created using biodegradable materials as a contemplative reminder of our transient existence on earth.

Through our art, we sought to encourage reflection on our role in shaping the natural world and evoke a sense of reverence for its beauty and fragility. The exhibition became a space for meaningful exchanges of ideas and perspectives, reaffirming my belief that art has the ability to inspire and transform.

Each piece invited the viewer to engage deeply with the themes of environmental consciousness, impermanence and the temporality of all things. As i look to the future, it is my hope that the contemplative nature of these works will awaken the spirit of wonder and contemplation in all who encounter them.

– La rencontre de l’artiste et l’artisan

Victor Cadène _________________________________

– Il est détailliste ….

Maison Thevenon_____________________________________

– Fondée en 1908

– Hi Vesna, could you present yourself? What is your background ?

I am Vesna Vrdoljak, 40 years old. I have a Croatian father and Dutch mother. I am married, I have two children and I live in Amsterdam.
I studied Film theory at the University of Amsterdam. I have been working in film production and distribution. Later I worked at the Amsterdam School of the Arts, where I was responsible of marketing and communication.

– What sparked that transition from art in theory to one in practice ?

Making collages came organically :  assembling and cutting papers and pictures. I started doing this more and more as I spent a lot of time home with a (sleeping) baby. Later, when I quit my office job and my second child came along, collage became a daily habit. The desire to express myself through making collages became an urge. 

– Does your practice focus entirely on collage ? Or have you worked with other media?

Sometimes I try different media. I wish I could draw but I am terrible in drawing. Every now and then I like to try something different, to stay open for change, but in the end… I always come back to collage.

– The lines, shapes and forms convey a sense of symmetry and an attention to detail. As pieces fitting in a puzzle, the smoothness of the surface presents a balanced and harmonious result. The assemblages of various sheets and images reveal a single entity, as if you sought to explore the limits of collage at its most elemental level. Could you tell us more about your artistic practice?

Lately, my practice is trying to create an undefinable yet vaguely familiar image by using the least amount of elements and cuts. At the moment I am fascinated by zooming into a subject and emphasize on details. This allows me to transform the depiction. Then, I combine it with an element from a different source, preferably one with a different scale. I like the distortion this brings.
The structure of the paper and its imperfections — or its history if you want to call it that way — are leading elements in my work and sometimes even become a starting point.

– With cuts seemingly taken from vintage b/w photographs and magazines, and old-fashioned paper whose color palette presents an almost faded appeal, your work takes us back in time. Is this a purely aesthetic choice or is there something else behind the retro — perhaps a form of nostalgia?

Yes, my work is very much tied to nostalgia. I am a nostalgic person after all. The nostalgia starts with the paper I use: the old paper is both faded and with deep colors. I sometimes try to work with new paper, from contemporary magazines, but there is no depth in this paper. Also the feel of new paper is different; almost empty. I feel attracted to the hidden stories behind the old pictures. A hint to a passed life we cannot fully understand. Leaving space to make our own story. I think that is romantic. 

– The practice of collage can also be tied to a history of feminism. Women artists such as Hannah Höch and Barbara Kruger adopted this art form to question the status of public images, and more particularly in the case of female representations. Do you sense this feminist legacy of collage in your approach?

I like to honor women in my work by depicting them in a simple yet graceful and stylish way. By leaving out their facial expression I give them some mystery.

– You have spent quite some time in Paris yourself ! What was your personal impression of the Parisian style and its way of life?

I like Paris for its vibrancy and passion. Even early in the morning, I feel a buzz and an exciting promise for the day. I think Parisians like to spend their lives more outside than Dutch people. The streets are alive. Parisians are also very daring and like to live in the moment. In my view, that is a very pleasant attitude for collaboration.

 – Interview conducted by Vittorio Pessin –

– Bonjour Violette, comment allez-vous, surtout maintenant que les guirlandes et les sapins arborent les rues de Paris?

Bonjour! Je vais bien merci! C’est vrai que Paris a un petit côté magique avec les lumières et toutes les décorations. Mais pour moi c’est surtout un moment excitant car j’ai toujours plein de commandes intéressantes qui arrivent avec la période des fêtes et que ca me donne un petit élan supplémentaire au niveau de ma créativité et de mon travail.

– Vous avez étudié à l’Université de Sydney en art vidéo et cinéma expérimental. Comment était ce passage en Australie? Quels souvenirs en avez-vous?

J’ai vécu presque quatre ans à Sydney, c’est une ville que j’adore et qui me rappelle beaucoup San Francisco où j’ai grandi. En Australie la nature est toujours proche, il suffit de s’éloigner un peu de la ville pour se retrouver dans des endroits complètement sauvages. Ce contact avec la nature est essentiel pour moi, autant pour trouver mon inspiration pour mes bijoux que pour mon épanouissement personnel.  

– Y-a-t’il eu un élément déclencheur pour que vous deveniez artiste?

Je crois que c’est quelque chose qui a toujours été present en moi comme une graine, mais j’ai eu beaucoup de chance d’avoir pu être toujours entourée de gens qui m’ont encouragé à la cultiver et à la faire pousser.
Enfant, j’ai été dans des écoles alternatives qui travaillent beaucoup autour de l’épanouissement de chacun et qui permettent à chaque élève de trouver son talent et à le developper. Ce sont des écoles qui se focalisent aussi beaucoup sur l’apprentissage des travaux manuels. J’ai eu de la chance d’apprendre très tôt à travailler le bois, à peindre, à cultiver un potager, à coudre et à tisser des textiles, à faire mes propres jouets, et je pense que ça à eu un impact essentiel sur ma créativité. En plus de ça j’ai énormément de chance d’avoir un père passionné d’art et de culture qui nous a toujours encouragé (moi et ma soeur qui est photographe) à être des personnes curieuses de tout et qui nous a toujours apporté tout son soutien pour qu’on puisse s’épanouir en faisant ce qu’on aime.

– Aujourd’hui, vous vous spécialisez dans la création de bijoux. Comment le bijou est-il arrivé dans votre processus créatif?

La bijouterie est une pratique qui me permet d’exercer pleinement ma créativité en utilisant de manière égale mes mains et ma tête. Je fais tout à la main moi-même et je prends beaucoup de plaisir à suivre un processus qui commence dans mes pensées et qui se traduit ensuite dans quelque chose de concret que j’ai construit moi même.
J’ai toujours aimé les bijoux. Ma grand-mère avait une collection fabuleuse de pièces uniques fabriquées par le meilleur ami de mon grand-père, donc je me rappelle d’avoir été très tôt fascinée par les pièces qu’elle portait. Par contre je ne pensais pas du tout en faire mon métier. Lorsque j’étais aux beaux arts, j’ai commencé à présenter mes films dans des installations en forme de cabinets de curiosité et peu à peu j’ai commencé à vouloir fabriquer des pièces entre bijoux et performance que je pouvais intégrer à ces cabinets.
En fait tout mon travail à toujours été centré autour de notre rapport à la nature, et donc au fil du temps j’ai réussi à créer des pièces qui me permettaient de garder la nature avec moi et de collectionner des endroits et des souvenirs de manière tangible.

– De la pince de crabe aux dents d’ours, le moulage à partir de matériaux organiques sont au centre de vos créations. Vos bijoux deviennent un pont entre le monde humain et le monde animal. Qu’évoquez-vous au travers de ces créations ?

J’éprouve depuis toujours le besoin d’avoir un lien permanent avec la nature. À travers mon travail j’ai la chance de pouvoir transmettre ce lien aux autres et, j’espère, de leur permettre de ressentir ce lien de façon intime et immédiat. Enfant je collectionnais déjà les os, les griffes, les dents, des cailloux, des morceaux de bois, je gardais tout dans des boites dans ma chambre, sans savoir que ces mêmes choses me serviraient des années plus tard en fabriquant ma première collection.

–  On retrouve les codes des bijoux Victoriens dans votre univers, en ce temps on pouvait trouver des éléments organiques (cheveux, ossements) intégrés aux pièces. Êtes-vous attachée à une période particulière? Quelles curiosités anciennes inspirent votre travail? 

J’adore l’époque Victorienne pour toute une multitude de raisons, mais leurs traditions autour de la bijouterie et de la joaillerie étaient incroyables. J’y retrouve la même fascination pour le corps et le souvenir, et cette idée de porter sur son soi au quotidien des pièces presque talismaniques liées à des moments dans le temps et à des émotions profondes.
Par contre je ne suis pas attachée à une période en particulier. Il y à des choses qui me passionnent à toutes les époques, mais je suis particulièrement attirée par tout ce qui à un caractère un peu étrange et poétique à la fois. Je pense particulièrement aux parures en or que l’on mettait sur les doigts de pied des pharaons dans leur sarcophages ou aux labrets en quartz transparents portés dans les lèvres et les oreilles à l’époque néolithique. J’adore les bijoux qui permettent de presenter une version augmentée du corps humain. Les bijoux sont présents dès les origines de l’humanité alors que ce sont des objets complètement facultatifs, ils sont vraiment l’expression la plus pure de qui nous sommes et de ce que nous aimons.

– Si l’on prend compte du mysticisme enrobant vos oeuvres – le merveilleux soulignant vos bijoux –, portez-vous quelques attentes envers ceux qui portent vos créations?

C’est une bonne question à laquelle je n’avais jamais pensé! J’espère que les gens qui portent mes bijoux sont un peu comme moi quelque part, c’est à dire qu’ils cherchent, comme moi, à avoir une connexion forte à la nature et au monde qui les entoure.

– Pendant l’exposition Something in the box l’année dernière et le Madame M de cette année, vous avez pris soin de composer des boîtes pour présenter vos bijoux. Elles semblent prendre la forme de mini-cabinets de curiosités. D’où vous vient cette attention portée sur la présentation de vos créations?

Je crois que ça vient du fait que j’aime beaucoup pouvoir raconter une histoire autour des objets que je fabrique. C’est vrai qu’il y à une part de cabinet de curiosité dans ces installations parce que c’est une tradition qui me fascine vraiment et depuis toujours, et que même à l’époque ou je faisais surtout des films je les présentais toujours sous une forme évoquant le cabinet de curiosités. En plus de ça je prends beaucoup de plaisir à créer des choses avec mes mains, donc à chaque fois c’est un petit défi pour moi d’imaginer une histoire et un univers pour chaque bijou. C’est aussi une façon de faire rentre les gens dans mon monde esthétique et imaginaire.

– Si vous pouviez rencontrer une personne du passé – un.e artiste pourquoi pas – qui serait-elle?

Hum… bonne question… Je ne suis pas hyper nostalgique des époques où des gens qui ont vécus dans le passé, mais je crois que j’aurais adoré passer une journée dans le laboratoire d’Etienne Jules Marey. C’était un inventeur touche à tout qui à eu un impact considérable sur des domaines totalement différents allant de la cardiologie à l’aviation et à la biologie. Il est considéré comme l’un des pionniers de la photographie et du cinéma et c’est une des premières personnes à s’être intéressé de manière scientifique au mouvements du corps humain et animal qu’il capturait en détail avec un ‘fusil-photographique’ capable de prendre 12 images par seconde (je vous encourage vivement à chercher sur internet à quoi ressemblait ce fusil, ca vaut le détour!). Mais la partie de son travail qui me touche le plus est celle qu’il a entamée dans les trois dernières années de sa vie, lorsqu’il a consacré son temps à étudier les mouvements de l’air en construisant des machines incroyables traversées par des courants de fumée. Pour moi ce sont une des plus belles inventions humaines de tous les temps.

–  Vous avez proposé pour Madame M une création exclusive. Pouvez-vous nous en dire plus sur comment Madame M vous a inspiré et l’histoire de la médaille?

Je voulais créer une pièce qui s’inscrive dans le thème de l’exposition mais qui parle aussi de mon univers. C’était aussi l’occasion de faire quelque chose de spontanée et d’unique destinée à être limitée dans le temps. En écoutant Emily et Jean-Baptiste parler du personnage de Madame M et je me suis dit que le personnage de Madame M aurait certainement une multitude d’amants éplorés qui lui offriraient de bijoux pour lui prouver leur amour.

De fil en aiguille, j’ai pensé à un pendentif très à la mode dans les années 1900, conçu par un bijoutier lyonnais, Alphonse Augis, qui reprend le vers célèbre de Rosemonde Gérard “chaque jour je t’aime davantage, Aujourd’hui plus qu’hier et bien moins que demain”.

C’est un pendentif que j’adore parce qu’il à un aspect très moderne pour son époque, mais il porte un message intemporel. Je me suis donc dit que ce serait l’occasion parfaite de re-interpreter cette médaille à ma façon. Le résultat est une pièce en vermeil gravée à la main en édition limitée qui reprend les éléments de la pièce originale mais dans un style un peu brut qui correspond plus à mes créations.

–  Vous vous présentez sur Instagram comme étant une “Odd Plant enthusiast” (ndlr. Enthousiaste de plantes étranges). Nous aimerions justement en savoir plus sur cette petite collection!

Depuis plusieurs années maintenant j’ai développé une fascination pour les plantes rares. Mes grandparents étaient botanistes férus de plantes et ils ont passé leur vie à collectionner des espèces et à les cultiver dans leur maison en Touraine devenue au fil des années un veritable jardin botanique.

Je collectionne particulièrement des plantes grasses provenant d’une région qui se situe entre l’Afrique du Sud et la Namibie qui est composée de deux deserts séparés par une chaine de montagnes, appelés respectivement le Grand Karoo et le Petit Karoo.

Ce sont des plantes incroyables par leur aspect et leur diversité. Il y a des plantes qui miment les cailloux pour passer inaperçues, il y en à d’autres qui ont développé des troncs en bois spectaculaires pour stocker l’eau, certaines ont des feuilles transparentes pour pouvoir absorber le plus de lumière possible. Et leurs cycles de vie sont passionnants à observer. D’être la gardienne de toutes ces espèces au jour le jour m’apporte beaucoup de joie et de bien-être. Quand je m’en occupe je me retrouve dans un état de méditation et de sérénité totale. Inversement quand je découvre une plante que je ne connaissais pas ou que je trouve un spécimen rare qui est sur ma ‘wishlist’ depuis longtemps j’entre dans une espèce d’état de transe et d’excitation familier à tous les collectionneurs passionnés. Bref, je suis une obsessionnelle des plantes et ça me fait beaucoup de bien!

 – Propos recueillis par Vittorio Pessin –

– Bonjour Laurent, pouvez-vous vous présenter? Quel est votre parcours?

Bonjour, je suis un artiste plasticien et vis principalement à Paris. Dans mon parcours, je me suis consacré tôt à la photographie, à la musique et à la vidéo, en voyageant beaucoup à l’occasion de résidences à l’étranger. Puis progressivement, j’ai senti l’envie d’avoir mon propre atelier pour aborder l’installation, la sculpture, la peinture.  

Je montre depuis quelques années une certaine obsession pour le temps, pour la condition humaine et pour la nature, en m’intéressant à leur potentiel poétique et leur interdépendance. Ces sujets sont sans doute liés à mon enfance, mais aussi à des auteurs qui m’ont inspiré comme Bergson, Nietzsche, Beckett, Dickinson, Einstein, Bachelard et Lucrèce par exemples.

–Comment décrivez-vous votre démarche artistique? Suit-elle un processus rigoureux ou préférez-vous laisser les inspirations et les envies venir vous bercer? Comment a évolué cette démarche depuis Paris VIII et le Studio du Fresnoy?

J’ai le sentiment d’avoir une approche plutôt rhizomique de la création, je dirais même “horizonale” si le terme existait. C’est-à-dire que je considère ma démarche comme un voyage ponctué d’arrêts et de transits qui sans cesse reconfigurent ma trajectoire, mon horizon. J’envisage toujours chaque idée et projet comme une nouvelle quête, une nouvelle expérience, avec une part d’inconnu. C’est peut-être la raison pour laquelle je produis relativement peu d’œuvres. Les inspirations, quant à elles, sont comme les rêves, elles ne se commandent pas. Elles sont pour la plupart le fruit de rencontres avec des œuvres, des archives, des lieux, des récits, des concepts, des matériaux. L’intuition entre aussi en jeu, comme un processus aux circonvolutions mystérieuses. Depuis la fin de mes études, je ne crois pas que ma démarche ait beaucoup changée. Simplement, certains sujets me préoccupent plus particulièrement aujourd’hui, comme l’environnement par exemple.  

– Vous travaillez depuis un moment sur des pièces que vous appelez des ‘détournements’. Qu’entendez- vous par cela? Peut-on y voir une référence au détournement de Guy Debord? 

La série que vous évoquez (les « Natures Mortes ») est l’une des rares dans mon travail à avoir pris une certaine densité dans le temps. Quand-bien même aujourd’hui je n’en produis qu’exceptionnellement, ces pièces se sont multipliées progressivement avec un intérêt à détourner de plus en plus d’objets. J’ai commencé par utiliser des montres aux mécanismes arrêtés, puis des livres anciens, des tableaux trouvés, des végétaux, des miroirs, etc. Tous ont en commun d’avoir une certaine relation au temps, à la mémoire, au périssable. Je détourne ces objets de leur contexte et de leur fonction initiale dans le but de les déplacer dans une nouvelle dimension, de les observer avec un regard nouveau.  

Guy Debord avait une approche sociologique et politique de l’art qui résonnait avec son époque, avec notamment son rejet de la propriété intellectuelle qui reste discutable. Mais c’était surtout, comme on le constate aujourd’hui au regard de la place de la culture et des images dans les médias, un visionnaire. Pour ma part, comme lui, je crois que le détournement est consubstantiel à la création, qu’il n’y a pas de création sans réappropriation de modèles, de formes ou de concepts préexistants. Les artistes n’inventent rien. Ils ingèrent, transforment, puis transmettent ; en somme, ils réinventent, dans un cycle infini.

Deux détournements figurent justement dans l’exposition : un héron blanc et un palmier. Ancrés dans le sol, ils se retrouvent figés par la résine – et surtout dans le temps. Ces pièces supposent cependant une certaine fragilité. Avec ce givre qui les recouvre pour en témoigner, l’équilibre fragile de ces êtres semble avoir été altéré. Une existence en péril, un écosystème paralysé, un commentaire sur le caractère vulnérable de ces êtres semble se dessiner. Au-delà de la vision intemporelle que vous portez, que cherchez-vous à exprimer ici?

Tout cela est très juste. Et toutes les interprétations sont possibles. Le titre de cette série illustre assez bien mon intention. La nature morte est une tradition dans l’histoire de l’art qui confère à des objets ou compositions une valeur de témoignage ou suspension dans le temps. Cette valeur, elle a presque toujours à voir avec le caractère à la fois contemplatif et éphémère de toute chose, du vivant comme de l’inerte. Au-delà, cette série s’inscrit pour moi dans la continuité d’une démarche qui a commencé avec la photographie et son pouvoir de figer le temps : il est bien question de fragilité, de vulnérabilité, de suspension et d’ambivalence entre survivance et disparition.  

Des vues d’expéditions dans les pôles extrêmes de notre planète ainsi que les Paroles gelées de Rabelais ont aussi contribué à la naissance de cette série. La glace tue, mais elle protège aussi. Les glaciers sont d’ailleurs de précieux réservoirs de mémoires, leur disparition serait très grave pour l’humanité.

– Un parallèle ici avec l’actualité ? Pourquoi avoir fait le choix du héron et du palmier?

Il y a en effet un parallèle explicite même si je me méfie toujours du rapport de l’art à l’actualité. Car je ne souhaite pas que ces œuvres soient perçues comme des œuvres à messages, qu’elles s’inscrivent uniquement dans les préoccupations d’une époque. Si sur le plan personnel le changement climatique me semble être l’enjeu de tous les enjeux, cette perception infuse naturellement dans mon travail mais ne domine pas.  

Le héron et le palmier sont des figures qui chacune reflètent un espace singulier et appartiennent à une dimension de temps très éloignée. Elles sont primitives à de nombreux points de vue, précédant de loin le genre humain ; c’est bouleversant de se représenter cela, c’est ce que je voulais montrer.

– Le naturel et l’artificiel entrent en tension dans vos oeuvres. En prenant l’exemple de votre palmier givré, un certain oxymoron visuel, la glace qui fond aux tropiques comme fond de contradiction déroute le public. La perception est alors mise à l’épreuve au point de susciter la dissonance cognitive chez le spectateur.  Quel relation cherchez-vous à entretenir avec votre spectateur? 

Je m’intéresse beaucoup à ces questions du naturel et de l’artificiel, pour deux raisons.  

D’abord, je cherche à pointer cette relation ambivalente qu’ont les hommes de notre époque avec la nature, plus largement avec le réel. Par exemple, si les meubles en bois artificiels et les ours en peluches garnissent nos magasins, combien se soucient de la préservation des forêts ou de la disparition des animaux ? Il me semble que l’artificiel est une façon de mettre à distance ou d’évacuer la “part sauvage” qui est en nous, c’est-à-dire la part charnelle, animale, sensible, vulnérable et assujettie. Mais paradoxalement, il est aussi un moyen d’entretenir, affectivement tout du moins, ce lien avec la nature… on pourrait en revenir à Debord et s’interroger sur cette théorie selon laquelle le capitalisme serait responsable d’avoir hissé les représentations au-devant des objets du réel.  

La seconde raison, c’est que l’art est un moyen de mettre à l’épreuve notre perception, d’appréhender et jouer avec nos limites. J’aime la force des illusions et des images trompeuses en le sens qu’elles incitent à l’imaginaire et à la pensée critique, à évaluer leur caractère vraisemblable ou mensonger, à chercher ce qu’elles cachent. Toutes les images sont fallacieuses, les politiques comme les publicitaires le savent bien, l’art n’y échappe pas. C’est l’interprétation subjective du spectateur qui est fondamentale, son adhésion ou pas, cela vaut dans et hors des sentiers de l’art. Concernant le palmier givré, même s’il est artificiel, il n’est toutefois pas si invraisemblable dans le monde actuel… mais là encore, tout est question d’interprétation.

– Dans l’exposition collective Reality Check, on comprend que la fantaisie et le fantasme ne sont qu’une question de perception, d’une démarche acquise autant par l’artiste que par le public. Comment s’inscrivent vos pièces dans cette intention?  Votre travail dépend-il de la capacité du spectateur à s’enliser dans cette réalité détournée?   Quel rôle — et peut-être même responsabilité — attribuez-vous au public dans votre démarche artistique? 

J’envisage chaque œuvre comme une invitation, une voix tendue, un geste poétique. Même si le spectateur n’entre pas toujours en jeu dans le processus de création, j’essaie de proposer des expériences de pensées plurielles. Il m’arrive de jouer à le duper, de brouiller les frontières entre réel et imaginaire. Mais généralement je ne souhaite pas assigner au public une responsabilité en particulier, sinon celle de revendiquer librement la sienne.

–La question de l’utilisation des animaux dans l’Art se pose toujours. Des 12 chevaux de Kounellis aux autres animaux naturalisés de Hirst et Catellan, ces pratiques artistiques relèvent un enjeu éthique. Amené à vous servir de taxidermie, comment vous placez-vous sur ces questions?  

De toute évidence il est nécessaire de se poser cette question, quelles que soient la popularité des artistes ou la valeur des œuvres. Mais il est important de considérer chaque situation au cas par cas pour dissiper toute confusion : chaque artiste a la responsabilité de s’assurer de la provenance et des conditions de mort des animaux.  

On peut aussi s’interroger sur l’éventuelle hypocrisie que cette question soulève. Car combien d’animaux sont élevés et abattus dans des conditions occultes pour être consommés, sans se poser la question de leur origine ni d’aucune éthique ?  

–Est-ce que vous êtes en train de travailler sur un projet actuellement? D’autres à l’horizon? 

Je travaille toujours sur plusieurs projets en simultané. Par exemple je suis en train de boucler un livre qui paraîtra en janvier, avec l’écrivain Arthur Dreyfus et autour de la personnalité de Léon Blum. Je finalise une série de photographies de paysages totalement anéantis par l’homme, à travers différents pays. Je produis également des pièces pour des collectionneurs et pour des expositions qui auront lieu cette fin d’année et l’année prochaine, dont notamment le Grand Palais à Paris. Enfin en ce moment même, je travaille à l’étude d’une œuvre monumentale et j’effectue des recherches pour la proposition d’un projet spécifique pour une exposition l’été prochain au Musée Delacroix à Paris. Vous savez (presque) tout.    

 – Propos recueillis par Vittorio Pessin –

Commissaire et critique d’art indépendant, Gaël Charbau soutient la création aux côtés d’institutions et de mécènes tels que le Palais de Tokyo, Audi Talent Awards, la Fondation d’entreprise Hermes. Il met en lumière et accompagne les jeunes talents en créant avec Laurent Dumas la “Bourse Révélation Emerige” en 2014, véritable chef d’orchestre, Gaël est également responsable de la programmation arts visuels au Collège des Bernardins, où se tient actuellement une exposition d’Edgar Sarin.

– Bonjour Gaël, pourrais-tu en premier lieu te présenter ?

Je suis un commissaire d’exposition indépendant : je travaille  pour différentes institutions et mécènes avec lesquels j’organise des expositions dans cet univers qu’on appelle « l’art contemporain ». Je travaille régulièrement avec de jeunes artistes et une part de mon activité consiste à les accompagner en les aidant à révéler tout le potentiel de leur pratique dans cette première partie de leur carrière.

– Comment pourrais-tu résumer le métier de commissaire ?

C’est un métier en forme de couteau suisse qui mobilise beaucoup de compétences : l’écriture, la prise de parole, l’invention d’exposition, qui se transforme aussi souvent en une pratique de la scénographie: il s’agit de savoir inscrire des récits et des histoires dans un espace fixe, délimité, qui est celui d’une institution, d’un monument historique ou du « white cube » d’une galerie.

La scène artistique ________________________

– Quelle est la nature de ta relation avec les artistes ?

Ma relation n’est pas la même avec tous les artistes. Avec certains d’entre eux, nous échangeons sur la création même des oeuvres, nous discutons parfois de la matérialité, des aspects techniques de leurs réalisations, de manière très concrète. Je me glisse à cet endroit plutôt intime de la relation d’un artiste avec son œuvre, dans l’antichambre de la création. De façon plus classique, mon travail consiste aussi à essayer de poser les bons mots sur une démarche artistique, de manière à donner quelques clefs au public pour qu’il puisse entrer par un moyen ou un autre dans l’univers de l’artiste.

– Peux-tu nous faire un rapide état des lieux des aides à la création aujourd’hui ?

Il y a eu un certain désinvestissement de l’engagement de l’Etat dans la culture et, en même temps, une importante émergence d’artistes. Quand on regarde la scène aujourd’hui, il y a beaucoup plus de galeries, beaucoup plus d’artistes que dans les années soixante ou soixante-dix… Ce double mouvement à amené les fondations privées à comprendre qu’elles pouvaient jouer un rôle important dans la culture… et elles y trouvent un intérêt bien sûr. Le rôle de commissaires indépendants comme moi est de parvenir à maintenir une exigence  « institutionnelle » dans la conduite de projets culturels : lorsqu’il s’agit de fondations d’entreprises, il ne faut pas encourager l’orientation produit, business ou marketing. Notre rôle est au contraire d’arriver à maintenir cette énergie artistique, incontrôlable, inaliénable.

– Comment participes-tu à étendre la place de l’artiste dans la société ?

Je ne crois pas « étendre » sa place mais j’essaie plutôt de lui en trouver une :  j’essaie par exemple, chaque fois que cela est possible,  de prévoir des honoraires – ce qui reste rare pour les plus jeunes artistes – pour sa participation à un projet. Comme dans d’autres secteurs de la culture, les jeunes plasticiens ne vivent pas souvent dans des conditions très confortables…

– C’est quoi un artiste en 2017 ?

Les artistes sont des personnes qui refusent la simplification du monde à laquelle nous sommes confrontés tous les jours. Ce sont des personnalités riches, complexes, souvent extrêmement cultivées avec énormément de sources de connaissances, dont ils se nourrissent de façon très poétique. C’est l’inverse de la vision du monde proposée par les médias de masse: les artistes jouent avec tous les moyens mis à notre disposition aujourd’hui pour faire et dire autre chose du monde qu’ils habitent.

Leur approche du monde demande un investissement de notre part, on ne peut pas se poser passivement en face de leurs œuvres: elles demandent qu’on soit impliqué, qu’on ait une lecture participative pour comprendre ce qu’ils font. Cela nécessite un peu d’efforts, dans un « système » qui essaie de faire en sorte qu’on n’en fasse pas, en tous cas intellectuellement, ce sont des gens qui n’occupent pas le devant de la scène. Derrière l’effet « magazine » et photos tendances, l’art contemporain est en réalité totalement inconnu du grand public. Le monde qui nous entoure est compliqué: l’artiste l’exprime naturellement de manière complexe, ouverte et poétique.

– Qu’est-ce qui te séduit le plus chez un artiste ?

Ce qui me plait le plus c’est l’aventure dans laquelle je me retrouve… travailler avec un artiste, c’est découvrir un pan entier de quelque chose auquel tu n’avais pas pensé le matin, c’est à chaque fois un éclairage sur des questions que tu n’étais pas posées. C’est extrêmement énergisant, tu ne peux jamais baisser les bras, tu as toujours quelqu’un qui travaille sur un sujet, qui a découvert ou produit quelque chose qui vient étendre ton émerveillement sur le monde, même quand il s’agit d’un travail critique, engagé, contestataire et pas forcement agréable à regarder.

L’érotisme _________________________________

– Comment considères-tu que la jeune scène artistique traite et s’empare-t-elle de la question érotique ?

C’est une large question! Tout d’abord, il ne me semble pas qu’on puisse résumer l’érotisme au moment qui précède l’accomplissement d’un acte sexuel… L’érotisme est une relation au travail et à la mort comme l’a longuement développé Georges Bataille, un système qui permet d’établir la continuité chez des êtres discontinus. Bataille écrit cette phrase magnifique : « De l’érotisme il est possible de dire qu’il est l’approbation de la vie jusque dans la mort. ». L’idée d’érotisme convoque l’univers du rituel,  il demande une organisation, des temps de préparation et d’exécution, des temps où il y a des gens qui regardent et des gens qui accomplissent. C’est l’organisation d’un désordre qui a pour but de conforter l’ordre, l’organisation de l’unité des êtres qui conforte leur discontinuité. Les battements de la musique techno, le déroulement des fêtes, des cérémonies, tout ce qui conduit à ce que l’on sorte du corps pour former un moment de continuité avec les autres, jusqu’à un abandon provisoire, relève de l’érotisme.

Dans l’érotisme, on s’autorise à franchir une barrière, à franchir un interdit pour mieux conforter cet interdit: le sacrifice d’un animal par exemple, si l’on considère que l’animal est un être sacré qui permet de nourrir et d’organiser la société. Il y a dans l’érotisme la promesse d’un au-delà, tandis que la sexualité organise l’orgasme, c’est à dire de la perte de relation avec le monde. L’érotisme organise la préparation de ce moment magique et ritualisé qui nous permet de nous abstraire du monde, pour mieux y retourner.

Je crois qu’il y a énormément d’artistes qui travaillent, de fait, dans cette relation au monde, qu’il s’agisse de la jeune scène ou d’artistes établis. L’exposition et le fait de montrer une œuvre, c’est un ensemble de choses organisées à l’abri des regards, pour qu’à un moment se produise cette rencontre entre deux personnes, entre un regardeur et une chose regardée et il y a bien sûr quelque chose d’érotique dans la relation entre un œil qui regarde et quelque chose qui se montre.

– Saurais-tu délimiter les contours de l’érotisme dans l’art ?

Cette énergie et ce que recouvre le mot érotisme est très large. Je pense par exemple au tableau que peint Masaccio en 1425 « Adam et Eve chassés de l’Eden »:  il me semble que c’est une des premières fois où un personnage a le visage caché dans un tableau. En peignant Adam qui dissimule ainsi son visage avec les mains, Masaccio invite le spectateur à projeter sa propre idée, sa propre sensation de la souffrance dans ce visage « invisible ». A mon sens, il y a dans l’érotisme l’idée que tu vas aller transférer, sur un objet qui ne se dévoile pas complètement, une charge émotionnelle. Ça n’est pas l’objet qui vient vers toi, mais toi qui investit l’objet. Les oeuvres fortes, puissantes, gardent ainsi « mécaniquement » une part de leur mystère. Marcel Duchamp disait qu’il faisait 50% du travail: c’est au spectateur de faire 50% du reste. On pourrait ainsi parcourir toute les histoires de l’art,  parler de Caravage qui, en inventant d’une certaine manière le « noir » dans ses tableaux rend érotique toutes les parties sombres de ses peinture, puisque c’est l’endroit où l’on devine que quelque chose se passe psychologiquement: c’est l’endroit où le tableau s’éclaire, pourtant il est noir.

 -Le porno a-t-il tué l’érotisme ?

La pornographie, c’est une espèce de version low-cost de la complexité qu’implique l’érotisme, sauf que la pornographie n’est jamais satisfaisante parce qu’elle accomplit la fin de la séquence de l’érotisme, elle dit : ce que tu veux, je te le montre, et c’est fini. L’érotisme lui, dit : tu veux ça, et le parcours pour aller vers « ça » est barré de mystère, de contours. Ce chemin est plus important que le résultat, c’est ce que dit l’érotisme. Mais je crois que l’érotisme peut s’emparer de tout ce qui est pornographique, car il est bien plus complexe.

– Quelle serait ta recette idéale pour monter une exposition d’art sur l’érotisme ? 

J’espère qu’on ne me demandera jamais cela, je pense que je rentrerai dans une depression définitive ! Je pense que j’aurais très peur qu’on me fasse cette demande et devoir être limité dans ma réponse: ça me semble impossible d’embrasser un thème comme ça avec une exposition. Si je devais vraiment me projeter, je pense que je serais assez classique, j’organiserais des sections peut-être, mais j’essaierais sûrement de montrer aussi comment cette idée d’érotisme est large et je l’éloignerais idéalement beaucoup du sexe. J’essaierais de faire une exposition déstabilisante au premier abord qui ne montrerait rien de sexuel dans les premières salles, et puis je me poserais la question de savoir « comment être spectateur dans un état de réception progressif ». J’essayerais d’avoir une relation érotique avec les visiteurs, au travers des choses que je montre, jusqu’à un orgasme final où l’on serait tous en transe ! (rires). Plus sérieusement, Je crois que ce serait forcément une exposition avec un parcours, avec une sensibilisation progressive… quelque chose qui relèverait d’un théâtre des sensations. Les expositions « Féminin / Masculin » et « Hors Limites » qui ont eu lieu au centre Pompidou seraient de très bonnes références dans cette recherche.

L’objet _____________________________________

– Qu’est ce qu’un objet érotique ?

C’est un objet que tu ne parviens pas à épuiser dans la relation que tu as avec lui, sinon il n’est plus érotique. L’objet va constamment venir te chercher sur une sensation indéfinissable, on peut imaginer comme une relation d’attente avec lui, un présent permanent. Il y a une ambivalence entre satisfaction immédiate et promesse d’après, qui matérialise cet objet. Une simple théière pourrait être érotique : sa forme, la pensée de sa forme, la qualité de ses courbes te renvoi toujours à une beauté dont tu n’arrives pas à te saisir, que tu n’arrives pas à éteindre.

– Bonjour, Ines pourrais-tu te présenter?

– Qu’est-ce qui nourrit cette envie de partager des ambiances sonores?

Undertone____________________________________

– Pour Undertone, tu as crée une balade sonore, peux-tu nous en dire plus?

– Comment imagines-tu ce personnage, qu’apporte-t-il à la visite d’Undertone ?

– Qu’est-ce qu’un son érotique?

– Tu as fait une mixtape, qu’évoque-t-elle?