INTERMIX RESIDENCY

INTERMIX RESIDENCY

Workshop curation

Launched in 2022, Intermix Residency is powered by ATHR Gallery.  A unique opportunity for the thirteen invited artists to explore the synergies between art and fashion. Studio Marant was commissioned to build a workshop and masterclass program with experts of the design, art and fashion fields.

The Intermix Residency in Riyadh is more than just a typical residency program for visual artists and fashion designers. It is a platform that encourages cross-disciplinary collaboration and explores various approaches to creativity.

One of the key pillars of the program is the inclusion of non-designers in design projects. This concept highlights the importance of diversity and interdisciplinary thinking, which can lead to innovative and unexpected outcomes.

Through this approach, the residency aims to create a space where participants can experiment, take risks, and push the boundaries of their respective fields. By bringing together artists and designers from different backgrounds,

the Intermix Residency fosters a dynamic and stimulating environment where new ideas can flourish.

At the heart of the Intermix Residency program is a focus on design innovation and the end-user experience. Throughout the three-month residency, participants are encouraged to ask critical questions about how their designs will be received and interacted with by the end-user, and to explore new and innovative ways of engaging with their audience.

Studio Marant set the residency program by including workshops and talks to inspire the residents and follow the key objectives.  One of them included to intervention of French designer Wendy Andreu during a weeks exchange in Riyadh.

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“Technology is not neutral. We’re inside of what we make, and it’s inside of us. We’re living in a world of connections and it matters which ones get made and unmade.“

Donna Haraway

━  BODIES AND LANDSCAPES by Tara Al-Dughaither

A little over three decades ago, the seminal essay Cyborg Manifesto written by scholar Donna Haraway was published for the first time, challenging and expanding on post-human studies with an extensive analytical rejection of rigid separations between human, non-human and machine. Haraway’s philosophy puts forward a narrative of coalition, solidarity, affinity and care across human and non-human ways of being within the context of a post-capitalist world.

That our environment, its natural resources and the social and economic structures that result from its condition are interrelational has never been as evident and so widely acknowledged as in the past few years. With Harraway’s essay as a point of departure and for the first three-month interdisciplinary arts residency at JAX Diriyah,

Riyadh; a highly transforming context lends itself to questions around settling the body within shifting landscapes, be it digital, natural, urban, social…etc.

Digging deeper, Bodies as Landscapes draws its questions from the origins and rituals of natural sanctuaries or ‘Al Hima’ within the area and region. What does it mean for our species to approach, adapt, examine, survive and interact with progressively complex industries and digital worlds? How can artists create their own sanctuaries and share resources within these shifting landscapes?

This catalog showcases the experimental studies of 13 residents working between fashion, visual and textile arts. The works result from ontological, philosophical as well as practical exploration of tensions within aesthetic production in a globally shifting arts discourse towards harmony and cohesion. Each work mediates a dialogue between the body as a creative medium and its environment; examining various modes of making,

knowing and perception within the post human world that is so well articulated by Harraway.

The program was designed to support artists with skill based and discursive exercises centered around communality, self-direction and encounters with mentors within the fields of urbanism, landscape architecture, conceptual and visual art, film, fashion, traditional crafts, photography, technology and food.

By approaching artists’ practices as a terrain of valuable resources in dialogue with real and imagined worlds, we are able to position more delicate, intimate and slower rituals of making where the body acts as a creative medium or resource capable of expanding on ecological modes of creation in increasingly variable circumstances. Bodies as Landscapes is a self-reflective framework of thinking that is concurrently questioned through the artist residents, program activations, collaborations and future iterations.

━  FROM FIBER TO FUTUR  a workshop by Wendy Andreu 

The “From fibers to the future” workshop was a unique opportunity for the Intermix residents to explore the possibilities of using natural fibers to create tangible design and art proposals. The workshop focused specifically on palm trees, which have a long history of usage in weaving, construction, and utilitarian objects.

Residents were provided with palm tree materials in all forms, including leaves, rope, and fiber. They were challenged to design three different typologies using these vegetal fibers: surfaces, volumes, and connection systems. The goal was for each participant to experiment in a free and generous way, exploring the material’s unique properties before starting to create.

Throughout the week-long program, participants engaged in solo experimentation, group conversations, and one-on-one moments with Wendy. The focus was not just on creating physical objects but on thinking about each individual’s artistic practice.

At the end of the workshop, each artist presented their unique creations, showcasing the endless possibilities of using palm tree fibers in design and art. The workshop provided a space for artists and designers to think deeply about materials and to push the boundaries of what is possible with natural resources.

Overall, the “From fibers to the future” workshop was an inspiring and thought-provoking experience that challenged participants to think creatively about their art and design practices while also promoting sustainability and the use of local resources.

SAFAA ABUDLKHALIQ REDA, OMAN

I work across performance, fashion, video and installation. My work, which draws on my personal experiences, explores questions around identity and the relationship between one’s self and its surroundings, the complexity of human interactions and emotions. In my practice, I create on-site interpretations of narratives, using textile, sound and flow. Fashion has been one of the most constant forms of expression, that is liberating to experiment with. I am – in most cases- my own fashion designer / stylist as well as producing selected items for my own brand.

TRA MY NGUYEN, GERMANY

A multidisciplinary artist based in Berlin, Germany. Working across sculpture, video, textile and fashion, my practice draws upon diaspora perspectives for re-contextualizing material culture within the tangling nexus of hyper-globalization. Within my practice, I experiment with craftsmanship, especially surrounding textiles, reimagining the material’s signifying meaning. In my works, I explore fashion’s connotation on the human body as opposed to its presence in a spatial context without the human body. In this way, I hope to provoke the viewers’ perspective on fashion and labor

MARIA CARRANZA, ARGENTINA

From my atelier in Cordoba Argentina, I create my collections inspired by the context that surrounds me, I take photos in the street, I buy materials near my house and I reuse textiles from workshops that make massively. Each design decision is conscientious, it is emotional, it is my way of repeating my present, I seek my identity, what is life for me? Who I am ? What stories can I tell? Textile is part of my life. I tell stories. I am inspired by the street and people, I like to observe…

ANGELO PLESSAS, GREEK

My work highlights the ambiguous approach of spirituality with technology delving into a broad set of cosmologies, activating modes of communal interconnectivity, social relations, and identity. My media ranges from performances to interactive websites; from hand-made quilts to neon installations – In my work I use quilting and patchwork techniques as they can open a discourse with our current relationship with technology. In these quilts I am using special materials which are sustainable and obstruct electromagnetic fields of wifi and cell phones so these artworks facilitate a temporary technological detox and purification.

HAYAT OSAMAH, SAUDI

Learning for me has always been a self-led experience throughout my personal life and professional career, as a photographer & director, in fashion & documentary, landscapes, & people. In addition to experimenting with costume design and making in films and series of photos. I find myself re-envisioning subjects, experiences and memories as a figurative response, influenced by own life experiences. With the physical world around me, being a point of reference – considering the limited resources I grew up with (such as the ability to travel abroad), I document various surrounding subjects to generate a shared experience of community to a wider audience

ADRIAN PEPE, HONDURAS

Our shared preoccupation for the state of the globe propels us to find innovative solutions in the most uncommon of places. An elemental aspect of our survival success relates to synergetic interspecies relationships, such as the relationship between human and sheep, a steady feat of mutualistic living in search of greener pastures. As a fiber artist, my works are textile-based. Through the process of directly colliding with the sentient provider of the raw material, be it plant or animal, collaborations are formed equating into objects of use & cultural significance and more importantly, a holistic understanding of processes in nature.

KHADIJA ARIF, PAKISTANI

My work for the past 5 years has contained a revealing aspect of history that has lefzt a profound impact on contemporary culture and design practice. Be it traditional design patterns, conventional stitching, or re-inventing an old fabric, my heart finds a way to return to the hidden variables of history and culture. In my diverse and varied approaches to developing art including embroidery, weaving, knitting, patchwork, and manipulation. In my most recent works, I explored themes of nature and the human body and developed artworks influenced by intricate cellular structures, trypophobia, and mesmerizing process of metamorphosis in a butterfly. The exquisitely crafted art pieces in these collections featured silk, organza, cotton, and jute

SADAF SAMAR KHAN, INDIA

Ever since I was a child, I wanted to draw, create and own the latest gadget. a passion for Haute Couture, and was rooted in my family tradition of making custom clothing. Ever since, I have immersed myself into learning every technique and craft related to fashion to be able to evolve and innovate, and incorporate them in my designs. I have always thought of fashion design as an ever-evolving field with its roots in art, and its stems and branches in research and technological innovation. With design and embroidery as my core competencies, I have a deep understanding of textiles, especially indigenous textiles from India and Saudi Arabia. I have an avid interest in textile manipulation and sustainable fashion

TAMARA KALO, LEBANESE

As a multidisciplinary artist and designer, I enjoy bridging different media and materials to create new formal explorations. I incorporate light and time-based media to touch on the boundaries of dualities and the spaces in between; such as public and private space, comfort and discomfort, nostalgia and memory. My practice frames landscapes, whether internal or external, through fragmentation, fluidity and seriality. I believe this residency aligns with certain explorations I have begun, in regards to mixing photography with textile

EDUARDO CASSINA, SPANISH

The city is becoming our default habitat. Whereas cities have tremendous potential to promote social cohesiveness and sustainability, urbanization and the built environment are often misrepresented or misunderstood. This quest to understand how cities work, how social relations are cast in space, has been the driving force behind my work. My practice reflects my interdisciplinary background architecture, heritage and urban sociology. The large scale tapestry format, as well as expanding the boundaries of spatial representation, particularly at an urban level, have been constant interests in my practice.

OMNIA ABDULQADIR, SAUDI

I am multidisciplinary artist based in Riyadh, Saudi Arabia. With a Graphic design and digital media degree, I discovered my interest in filmmaking and video art. I am also Interested in conceptual art, installation, embroidery, sewing and printing. And currently developing techniques to use sewing on papyrus paper and I believe this residency will help me develop and learn variety of techniques in using textile. I am keen to know more about this field and very interested to see where it may take me. Also, I have a couple of research that am sure I will be able to build and finish during the intermix residency program being a part of many other enthusiastic artists that I can flourish aside with.

SUMEYAH QASSIM FALLATAH, SAUDI ARABIA

During my last year at University, I found myself slowly drifting away from Graphic Design, it didn’t mean that I would no longer practice it, I just wanted to get into something else, and that led me into doing my graduation project “Black Profile” which was mainly a lot of historical research and photography, and I also experimented with screen printing and cyanotype. I use photography to explore my identity, diversity and representation in the Arab Region, and the human experience. I do a lot of research to reach the final goal of my any project I start, so now I enjoy researching topics like African Art History, and colonialism.

HATEM ALAHMED, SYRIAN

My practice focuses on drawing, print and installation to be a base from which my interests are directed to environmental practices and the surrounding accumulations in terms of form and execution. My work is focused on the durational aspect and the way humans deal with time and its impact on the environment, in general, and humankind in particular.
I find in natural sources and elements a solid base through which I can explore issues such as forest fires, farmers’ migration, and the way humankind coexists with basic life, are all key issues that go beyond the present and raise questions about the future of humankind

The Kooples Art Prize

The Kooples Art Prize

Direction and production

For The Kooples, Studio Marant creates an art prize. Focused on the upcoming artists generation it aligns with the brand’s values. For each edition, The Kooples Art Prize will professionally supports two talents.

The Kooples Art Prize is committed to promoting and supporting emerging artworks, acting as a career accelerator for the winning artists, thanks to substantial endowments for the production of new works. The prize is an opportunity for visibility and a vector for public and professional encounters for their work through two dedicated exhibitions: a personal carte blanche in The Kooples curatorial space on the Champs Elysées and a group exhibition at the Mac Val Museum.

“The approach of the contemporary art prize we have created is unique for a brand like ours and we are proud to offer artists this opportunity to exhibit their work to a wide audience in the store we will soon open on the Champs-Elysées. Our goal is very clear: we want to bring together the radicalism that defines us, our collections and our way of seeing fashion with contemporary artists works.”

Marie Schott, President and CEO, The Kooples

Winning artists benefits 

━  €28,000 allocated to the production of new original art works

━  €10,000 for the guidance of a professional scenographer to prepare the exhibition of these works.

━  €6,000 artists fees for four months of work within the framework of the Prize.

━ Two exhibitions: a solo show at The Kooples flagship on the Champs Elysées in Paris and a duo exhibition at MAC VAL.

━ Guidance by curator Thomas Conchou and The Kooples Art Prize team (technical, logistic, administrative, accounting support).

━ A 15-day research and design residency at the Artagon House near Orleans. 

━ Communication training and support to help the artist promote her/ his work to the public, the media, and art professionals.

━  An appointment of legal support by an art lawyer to acquire training and get answers to some of the artist’s profession problematics. 

━  One of the works produced for the prize will enter The Koopples Collection.

━  MAC/VAL

For its first edition, The Kooples Art Prise is honoured  to announce a collaboration with French institution the MAC VAL, Seine de Marne. This is the first time that the museum collaborates with a brand.

MAC/VAL is the first museum entirely dedicated to the French art scene from the 50’s up until today.  After the creation of the Fond Départmental d’Art Contemporain in 1982, the museum project progressively took shape over a period of nearly fifteen years. In 1999, the Conseil Artistique des Musées approved the collection, and the Scientific and Cultural Project was accepted by the Direction des Musées de France.

The museum collection counts 2,000 artworks by well-known artists such as Christian Boltanski, Bruno Perramant, Claude Closky, Gina Pane, Annette Messager, and Pierre Huyghe etc. but also emerging ones, which shows MAC/VAL’s desire to promote contemporary creation.

━  ARTAGON  

The Kooples Art Prize collaborated with the ARTAGON house. Artists are invited for a two weeks residency to reflect about their project in this resourceful setting:

Located in the Loiret department, near Orléans, Maison Artagon welcomes artists, researchers and cultural professionals at the beginning of their careers in all fields of contemporary creation. They stay from two weeks to three months at the Artagon House. They benefit from an exceptional working and reflection environment in the middle of nature, as well as tailored support.
In all, around 50 residents benefit from this new programme each year, free of charge they can apply or be invited.

Prize team

The Kooples Art Prize is part of a process of professional support – jury, curator, scenography, production, exhibition – led by Studio Marant-Emily Marant supported by Marc Beyney-Sonier and Chloé Villefayot.

Thomas Conchou was appointed as the guest curator of this first edition.  His role is to accompany the prize-winning artists in the production of their works and bring his curatorial eye to the exhibitions. 

«The quality of a prize lies in the different stages that will allow the laureate artist to create at their best. Therefor, it was essential that the team of invited curators, the jury and the general curator, would embody and be representative of the contemporary scene.»
Marc Beyney-Sonier, Creative Director, The Kooples Art Prize

Thomas Conchou, curator of The Kooples Art Prize 

Thomas Conchou is a curator, co-founder of the curatorial collective Le Syndicat Magnifique, member of the Curatorial Hotline collective and a certified mediator by the Fondation de France for the implementation of new actions by commissioners. In 2020, he is the curator the Maison populaire de Montreuil’s art center, an organization of public education and amateur practice. He conducts a two-year cycle of exhibitions and events on artistic practices and queer relations. In 2021, he is one of the curator reporters for the AWARE prize where he presents the work of Gaëlle Choisne, winner of the prize. In 2022, he joins the jury of the Utopi-e prize for queer artists and the Salon de Montrouge’s committee. He is the winner of the Textwork writing grant from the Pernod Ricard Corporate Foundation, and is preparing exhibitions at Sissi Club, Marseille and at the CAC Brétigny in Île-de-France.

Anissa Touati, curator 

Anissa Touati is a French exhibition maker and an independent curator trained as an archeologist. She also serves as the founding director of the cultural organization Octavia. She is the Curator-at-large of Paris Internationale, the artistic director of the pavilion for a Mediterranean nation of the Biennial of Lagos 2023 (Nigeria) and the curator in chief  of the launch of the Thalie Foundation in Arles. She is the former artistic director of Contemporary Istanbul, for which she built a program reflecting on the question of Mediterraneism and the former associate director of the Chalet Society in Paris.

Since 2021, She is a committee member of the MAH Geneva, a member of the acquisition committee of the FRAC Corse, a member of the final jury of Paris-Malaquais higher school of architecture and a nominator to The Sovereign African Art Prize, South Africa.

Anna Labouze & Keimis Henni, directors at ARTAGON

Anna and Keimis are a duo of artistic directors, curators, teachers and cultural project developers. Their fields of interest are emerging art, the relationship between art, society and education, the dialogues between different fields of creation and international cultural cooperation projects.
They founded the association Artagon in 2014, which is dedicated to supporting, promoting and accompanying artists and cultural professionals at the beginning of their career. In 2021, they open their first venue, Artagon Marseille, supported by the Ministry of Culture. In 2022, they open the Maison Artagon in Orléans and Artagon near Paris.
Since 2017, they are the artistic directors of Magasins généraux, a cultural venue founded by the BETC communication agency in Pantin.

Julien Blanpied, curator at MAC VAL

A graduate of the Ecole du Magasin in Grenoble, Julien Blanpied is a curator, art historian and art critic. Since 2005, he has been collaborating on temporary exhibitions at the MAC VAL where he works on the favourable conditions for the emergence of questions of identity construction (social, gender, cultural, postcolonial, etc.). He also writes for various magazines and artists’ catalogues.

Curator for the exhibitions Brognon-Rollin “L’avant-dernière version de la réalité”; Taysir Batniji “Quelques bribes arrachées au vide qui se creuse”, “Royal Wedding”, “Framing Abstraction”, “Itinéraire Bis”, “Domino-Domino”…, he is currently preparing, collectively, an exhibition for the EDF Foundation “Faut-il voyager pour être heureux?

Marie Schott, CEO of The Kooples and Capucine Safyurtlu, Creative director

Marie Schott (ex-CEO of Etam and founder of AnaShaf) was nominated in 2021 by MF Brands to write this second chapter and Capucine Safyurtlu (ex-editor at Numéro, Vogue Paris) has recently joined her as Creative Director. The challenges are exciting for the duo and their teams: reinventing accessible luxury of the 2020s, «resetting» a brand whose notoriety capital has remained very reputable in France, realigning the brand with the times, while capitalizing on an extraordinary heritage. The Champs Elysées store and The Kooples Art Prize are one of the multiple projects of this future Reset.

━  RAPORTERS 

Four curators were invited to present twelve artistic projects. Each of the rapporteurs propose three young professional artists – at an early stage of their careers (active for less than 10 years), working alone or as part of collectives. Artists are selected upon a specific project that has been thought for the Art Prize, keeping the Champs Elysée flagship space in mind.

From left to right –

Anya Harrison – curator at MOCO, Montpellier Contemporain and author.

Julia Marchand – Associate curator at Fondation Van Gogh, Arles and founder of Extramentale Arles

Juliette Desorgues – Visual arts curator at the Mostyn Art Center, Wales and author.

Oulimata Gueye – Head of post-graduate program at Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Lyon, critic and author.

Prize winners from the first edition

 ━  Gaby Sahhar

Gaby Sahhar, born in 1992, is a French-Palestinian artist based in London with an interdisciplinary practice. They founded and run the LGBTQIA+ artist support platform Queerdirect. Through the prism of ink, paint, video and installation, their visual practice questions the ways in which queer identity, gender and sexuality can be expressed and manifested in public space despite today’s dominant patriarchal and capitalist structures.

 ━  Kim Farkas

A French-American artist of Peranakan origin, born in 1988, Kim Farkas is based in Paris. He graduated from the Beaux-arts de Paris in 2014 and co-founded in 2012 the publishing house Holoholo Books. From car tuning to cosplay, from hacking to hacking and his Peranakan heritage, Kim Farkas borrows from hybrid fields between countercultures and laboratories of capitalism. With his sculptures and installations, Kim Farkas criticizes systems of distribution and singular objects forced to metamorphose. It is the rigour and uniqueness of these practices and their circulation in our economy that interests him.

Kim Farkas’s sculptures are all about reflective surfaces and the play of light. His oblong shells have as much to do with the biomorphism that gave birth to Art Nouveau and Surrealism, as they do with the FabLab, Tuning and Cosplay communities.
For Gaby Sahhar, the canvas surface is saturated with information and color. He draws on the history of Expressionism and figurative painting for a visual language to describe contemporary urban space and the experience of minority bodies within it.
The formal purity of one responds to the pictorial saturation of the other.

ETAM

NOËL MOTEL

Collaborations artistiques et curation

Pour noël Etam fait appel au Studio Marant pour crée une sélection de noël mêlant jeune création et objets d’artistes.

 

 

 Plus de 30 artistes et marques ont été réunies pour proposer leurs créations dans un univers à la croisée de l’iconographie colorée du cinéaste Wes Anderson et des peintures fantaisistes de William Cotton.

«Le challenge est d’introduire des créateurs indépendants, tout en     restant en adéquation avec l’univers de la marque et en ligne avec les attentes de son public”

La sélection

Studio Marant sélectionne des talents en coherence avec l’ ADN de la marque et de la thématique élaborée. Des objets réalisés par des créateurs indépendants, des petites maisons d’edition et de jeunes artistes ou designers.

Les céramiques des Religieuses, la vaisselle de Marion et Thomas Mailaender, les livres à illustrer de Super Edition, les cuillères personnalisées de Monette, les amulettes brodées de Olive and the pepper.

La direction artistique

Créer un univers pour ces objets, proposer une histoire, c’est ainsi que née le Noël Motel.  Un titre aux sonorités vintage, un voyage dans le temps et en Californie. Autant de détails qui inspireront la prise de vue des pièces dans un hôtel aux papiers peints recouverts de palmiers.

Studio Marant réunis pour l’occasion plusieurs talents, l’oeil artistique d’Antoine Grulier (Artiste), les talents de graphistes d’Hortense Proust, une production signée Julie Giorgetti.

Communication

La fin d’année 2020 est impactée par la crise sanitaire. Il faudra déjouer les moyens de communication traditionnels. Le set design des visuels remplacera une scénographie en magasin, un e-shop sera spécialement crée pour l’operation et un live shopping est animé par Lauriane Melierre. C’est sur Instagram que la communauté Etam découvre les objets, leur histoire et leur caractère si particulier.

INDICI

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INDICI

Scénographie et lancement

Nous accompagnons Indici dans le lancement d’une collection de bougies inspirées par l’histoire du Levant.

Indici, une bougie en guise d’objet d’art

INDICI est un trait d’union. Une géographie du moment présent, du passé et d’une culture multi-millénaire. Un objet cristallisant le savoir-faire, les histoires et le souvenir, le sillage élégant qui marque l’Instant et force l’imaginaire. Bougie, puis vase… comme les voyages qui sont une succession de métamorphoses, chaque création INDICI a deux vies, conjugue l’artisanat de trois continents et porte une partie de l’histoire du Levant.

Lancement

C’est dans une suite de l’hôtel Berri que Studio Marant décline le langage visuel de la nouvelle marque. Chaque bougie raconte une mythologie, la chambre devient le terrain un terrain de jeux pour mettre en scène les six histoires révélant le mystère de chaque bougie. Lors de cette soirée, nous avons convié journalistes et talents à découvrir Indici dans l’intimité d’une chambre d’hôtel.  Bianca Lee Vasquez s’empare des mythes pour créer une performance unique. C’est autour d’un diner inspiré de Babel, Cédrus, Saba, Mina, Nur et Petra que Loulwa (fondatrice d’Indici) raconte l’histoire de son projet. 

Chaque bougie est un témoignage précieux d’une civilisation ancienne. C’est par les sens que nous avons souhaiter faire vivre Indici.

— Scénographie

A travers des éléments décoratifs, nous développons le langage visuel d’Indici. Dans un esprit luxuriant et dépouillé, l’ornement des suites de l’hôtel Berri contraste avec les éléments de décor. La chambre est le théâtre des bougies, chacune est présentée dans un espace en lien avec son histoire. Epices, matières, lumières, éléments sont exacerbés pour offrir une expérience en hommage aux richesses archéologiques qui caractérisent la Mésopotamie.

— Performance

La pratique multidisciplinaire de Bianca Lee Vasquez croise la performance, la photographie, la sculpture et l’installation; et met en lumière des interactions contemplatives entre le corps et le monde naturel. Accordant une place centrale au rituel, elle tisse des liens sensibles entre la flore, la corporalité et l’inconscient. Ses interventions dans la nature sont restituées au moyen de traces et d’objets . Elle corrèle ces archives de performance aux thèmes contemporains, écologiques, féminins et spirituels. Studio Marant fait appel à l’artiste pour proposer une performance sur mesure.

— Diner

En collaboration avec le chef du Berri, nous proposons un menu aux saveurs d’ailleurs. Les mets reprennent certains ingrédients des bougies.

Bompard

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Bompard

Scénographie

La célèbre maison de cachemire française présente ses nouvelles collections à la presse, elle fait appel au Studio Marant pour en créer l’écrin.

Conception 

A partir des éléments de langage de la marque, des produits présentés et de l’histoire de la saison, nous constituons un univers pensé pour le lieu. 

Scénographie d’hiver

Pour la collection automne-hiver 2019, le Studio Marant prend les rennes de la présentation presse.  La collection déroule le fils des saisons, d’un automne aux couleurs d’Acapulco à un hiver monochrome blanc. L’ambiance des jardins du Palais Royal est prolongée dans la galerie Joyce et les silhouettes Bompard sont sublimées par une arche de fleurs séchées.

Scénographie d’été

Pour la 2e deuxième année consécutive et en collaboration avec la nouvelle directrice artistique Emily Harris, le Studio propose un décor reprenant  les inspirations bucoliques de la collection. L’Espace Molière est transformé en maison de campagne rustique.

Collaborations artistiques

Chaque projet est autant d’occasion de collaborer avec de jeunes talents créatifs. Les ikebanas d’une Maison dans les arbres, les céramiques de Léa Musch, les tableaux de Lise Stoufflet…. Nous mettons en avant la scène émergente Française.

Matriochka

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La Matriochka ne s’emboite pas

 

Misaotra 2019 – Fonds de Dotation Merci

La Matriochka ne s’emboite pas, 2019, est une série de poupées Russe interprétées par des artistes dans le cadre du projet Misaotra pour les Fonds de dotation Merci. Celui-ci cherche à illustrer le métier de commissaire d’exposition et fait l’objet d’une exposition valise.

Que serait la poupée Studio Marant ?

La question se pose lorsque Merci propose à Emily (fondatrice du Studio Marant) de créer une poupée pour son projet caritatif Misaotra. Il ne pouvait pas y avoir une seule réponse, cette poupée devait raconter une histoire, comme celles que nous tissons à chaque exposition.

‘La Matriochka ne s’emboite pas’, exposition valise.

Emily choisit comme support la Matriochka. Façonné dans le bois par des artisans en Russie, ce corps de femme simplifié est celui de la Matriona (femmes de la campagne Russe), cet objet traditionnel est également un jeu encastrable pour enfant.

La femme encastrable, le corps boite devient le point de départ de la reflexion, la Matriochka, elle pose le cadre du projet et devient le support de l’oeuvre.

Les artistes

La création émergente en toile de fond,  cinq artistes magnifient les formes feminines de la Matriochka avec leurs pratiques respectives: le transfère d’image pour My-Lan Hoang-Thy, la peinture pour Jan Melka, la sculpture de papier pour Sophie Kitching, la céramique pour Marion Verboom et le dessin pour Bianca Argimon.

Les poupées prennent forme afin de devenir des oeuvres uniques.  Chaque personnage est incarné, les poupées unies forment une famille éclectique de femmes qui ne s’emboitent pas. La Matriochka ne s’emboite plus.

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Les Martiens de Bianca Argimon

 

Mes poupées représentent deux martiens – une représentation extraterrestre des Matriochkas.  

Le petit dernier est clin d’oeil au fait d’ouvrir les poupées pour en révéler d’autres, cette idée de ‘déshabiller’, il exprime donc une forme de pudeur.

Bianca Argimon est née en 1988 à Uccle en Belgique. Elle vit et travaille à Paris. Elle est diplômée de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris et a obtenu son DNSEP en 2015, ainsi que de l’École nationale des arts décoratifs de Paris dont elle sort diplômée de la section Animation/Image imprimée en 2011. Son travail a fait l’objet d’une expositions personnelle à la galerie Inlassable, Paris, 2015, à la galerie Iconoscope, Montpellier, 2018 et elle  a participé à de nombreuses expositions collectives. 

Elle a intégré l’année dernière la collection du Crillon à Paris et est à l’honneur dans la Revue Roven numero 13 en 2017. Elle a été résidente de la Fondation Hermès en 2017 dans les soieries lyonnaise, et son travail a été présenté dans le cadre d’une exposition des résidents de la Fondation au Palais de Tokyo à Paris et au Forum, Hermès à Tokyo en 2017 et 2018.

La Poupée de Marion Verboom.

Voici la poupée elle sort de mon four. Elle est réalisée en terre égyptienne. L’émail est contenue dans la terre. Pendant le séchage et la cuisson, celui-ci migre vers la surface, ce qui provoque l’apparition de pores et d’irrégularités.

Il s’agit de la même terre utilisée pour la fabrication des petites statuettes et amulettes placées sur les corps des défunts égyptiens.

Marion Verboom (1983) est diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris en 2009 et rejoint le programme de résidence De Ateliers (Amsterdam-2009/2011). Son travail qui mêle dessin et sculpture a été présenté dans des expositions personnelles à l’espace 40mcube à l’occasion des Ateliers de Rennes – Biennale d’Art contemporain (2012), au Musée de l’Abbaye Sainte-croix des Sables d’Olonne (2015) à The Pill Gallery (Istanbul, 2016),  ou à la galerie Jérôme Poggi (2018). Elle a participé à des expositions collectives au musée international des Arts modestes (Sète, 2017) ou au FRAC Bretagne (Rennes, 2018).

Elle a également contribué à l’installation occupant le nouvel espace du « Toguna » au sein du Palais de Tokyo, qui a ouvert ses portes en 2018 et collaborée avec la Maison Chloé (2017-2018). Elle vient d’achever par une exposition ainsi que la publication d’un livre avec RVB books, la résidence LVMH Métiers d’arts. Ses œuvres sont présentes dans plusieurs collections publiques, notamment le fonds national d’Art contemporain, le fonds municipal d’Art contemporain de la ville de Paris, le FRAC Bretagne ou le musée d’Arts de Nantes. Elle est représentée par la galerie Jérôme Poggi (Paris) et The Pill Gallery (Istanbul).

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Tuki de Sophie Kitching

 

La Matriochka repensée par l’artiste Sophie Kitching prend la forme d’une idole, entre figurine et objet sculptural. Elle s’inspire des Nénètses, peuple nomade d’éleveurs de rennes vivant dans l’Arctique sibérien. Les femmes revêtent un long manteau appelé Yagushka composé de huit peaux de rennes, brodé d’ornements.

La poupée russe Tuki s’apparente à une piñata miniature et se dessine par rangées successives de papiers colorés et peints à l’aquarelle. Les franges évoquent à la fois la fourrure animale et les motifs de ce vêtement traditionnel, qui a permis aux Nénètses de parcourir depuis plus d’un millénaire la toundra immense et glacée.

Sophie Kitching transforme des images et objets culturels en installations, vidéos, peintures et performances. Fondés sur l’observation critique de son environnement, son travail explore des concepts liés à la mobilité, la dénaturation, l’utopie, le souvenir. L’envie de produire des espaces plutôt que des images est au coeur de sa pratique. Le paysage est un milieu actif qu’elle explore comme contexte, contenu et forme. Entre posture romantique et démarche conceptuelle, Sophie Kitching construit un voyage susceptible d’instaurer un sentiment d’immédiate proximité, et une possible intimité.

Son travail a été présenté à Paris au Palais de Tokyo, à la Villa Emerige, à la Maison de Chateaubriand, au 22Visconti, à la Villa Belleville. Ses expositions dans les project spaces 67 à New York, Grande Surface à Bruxelles et fffriedrich à Francfort, dans le Studio Jeppe Hein à Berlin, au Festival NXNE Art à Toronto et au centre d’art er de recherche Pioneer Works à New York renforcent sa dimension internationale. En 2017, elle réalise une partie des décors du ballet Don Quichotte de Kader Bélarbi au Théâtre du Capitole, Toulouse, et son catalogue monographique Nuits Américaines est publié par Lienart.

Juana de Jan Melka

 

Sur la poupée, les corps enroulés et brutalisés évoquent les rapports humains conflictuels et les troubles intérieurs qu’on affronte constamment, que l’on passe sa vie à dénouer. Dans cette scène les rondeurs se tordent jusqu’à la cassure où le venin s’écoule.

Jan Melka est une artiste franco-américaine dont le démarche se concentre au bord de l’expressionnisme abstrait au travers des histoires  qu’elle raconte sur ses figures reconstruites. Pour sa dernière exposition, “Older” (2018) à Plate, Paris, Jan a produit des grands formats, des peintures graphiques et des collages de corps reconstruits et inspirés de ses textes candides écrits durant son enfance. 

Jan Melka a aussi collaboré sur des projets de collaborations artistiques liés aux espaces architecturaux ou d’identité avec Boucheron, Nike, CoSTUME NATIONAL, Virgin and plus encore.  

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La poupée de My-Lan Huang-Tuy

Prenant appui sur l’artisanat, où l’imprimé côtoie le végétal,
voire la nacre, ma pratique interroge la notion de collage
et d’hybridation des langages et des genres.
Elle se nourrit de souvenirs personnels, souvent fantasmés : ceux
d’une richesse aristocratique vietnamienne perdue, dont j’aime
étirer les anecdotes et les erreurs d’interprétation pour titiller
le spectre des sensibilités esthétiques.
Résidu, ou plutôt extension d’une Histoire difficile à nommer,
mais dont la forme se donne à voir lustrée, parfois au bord de
la décoration, mon travail est animé par la question : qu’est-ce
Qu’une oeuvre qui nous séduit ?

Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2018, My-Lan Hoang-Thuy déploie une pratique qui interroge le collage et s’appuie sur l’artisanat. L’imprimé côtoie le végétal, voire la nacre. Sélectionnée pour le Prix des Amis des Beaux-Arts de Paris et le Salon de Montrouge 2018, l’artiste a également participé à l’exposition “Leurs Printemps” organisé par Léa Chauvel-Lévy à la Galerie Papillon et Intoto 6 à la Fondation d’Entreprise Ricard.

 Misaotra à l’origine du projet.

‘Misaotra’ en malgache se traduit par Merci. Du 14 au 26 mars 2019, Merci met en lumière l’action du Fonds de dotation Merci à Madagascar en donnant carte blanche à ses créateurs (stylistes, designers, plasticiens, etc..), amis, collaborateurs, et autres complices vedettes des Arts et de la Culture, pour réaliser un objet unique à la symbolique forte : une poupée.

Tantôt fétiche de l’enfance et de l’imaginaire, tantôt objet d’exception et de collection, la poupée renvoie d’une part, aux savoir-faire exceptionnels des brodeuses malgaches et, d’autre part, aux enfants scolarisés dans les 9 écoles soutenues par le Fonds de dotation Merci à Madagascar. L’exposition de ces poupées inédites représente l’un des temps forts des 10 ans de Merci.

Les poupées seront ensuite vendues lors d’une vente aux enchères orchestrée par Frédéric Chambre de la prestigieuse maison PIASA. L’objectif premier de cet évènement est de soutenir les populations isolées du sud-ouest de la Grande Île (Madagascar), mais aussi d’accompagner les projets initiés par le Fonds de dotation Merci en France. L’intégralité des fonds récoltés permettra ainsi de renforcer l’impact des actions du Fonds de dotation Merci en France et à l’étranger.

Les fonds de dotation Merci.

Depuis sa création, le Fonds de dotation Merci a pour objet d’agir en faveur de populations vulnérables à Madagascar et en France, en œuvrant à l’amélioration de leurs conditions de vie, sur le plan éducatif, social, sanitaire et culturel.

Le Fonds de dotation Merci est d’abord intervenu à Madagascar, classé par le Fonds Monétaire International comme le quatrième pays le plus pauvre au monde. C’est aussi le pays où les plus jolis modèles de Bonpoint, marque fondée dans les années 70 par Marie-France et Bernard Cohen, ont été brodés et fabriqués.

Dans la région de Tuléar, au sud-ouest de Madagascar, le Fonds de dotation Merci contribue chaque année, avec son partenaire historique, l’association Abc Domino, à scolariser 3 200 enfants, du primaire au lycée. Dans cette zone isolée et aride, les groupements scolaires deviennent le point d’ancrage d’un développement pérenne.

Depuis 2015, le Fonds de dotation Merci agit également en France, en faveur de l’agroécologie et de l’accueil de personnes réfugiées en milieu rural.

Madame M

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Madame M

Exposition et boutique de Noël à la Galerie Joyce

 

Après leur passage sur le toit de la Cité Radieuse, à la Galerie des Galeries Lafayette, Chez Moi Paris et Studio Marant se retrouvent pour créer une exposition et boutique éphémère à la Galerie Joyce dans Jardins du Palais Royal.

Les appartements de Madame M

C’est dans l’historique Galerie Joyce, sous les arcades des jardins du Palais Royal, celle qui a laissé nombre de créateurs Parisiens exprimer leurs univers en son sein que Jean-Baptiste et Emily créent les appartements de Madame M.

Madame M est un personnage de roman, elle prend vie dans l’imaginaire des deux amis inspirés par ces lieux chargés d’histoire : femme d’esprit et exubérante, elle oscille entre une cocotte du 19ème, une Castafiore et une écrivaine activiste.

En novembre, Studio Marant et Chez Moi Paris vous invitent à découvrir le surprenant intérieur de Madame M : ses souvenirs de voyage, ses lectures, ses jeux, son goût pour l’art et son grand talent pour chiner meubles et objets en tout genre…

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« Nous avions envie de créer un lieu de vie, chez Madame M on trouve tous les objets chers à un intérieur Parisien. »

La sélection

— Souvenirs de voyages

Madame M (aime) les objets que l’on transporte, ceux qui nous viennent d’ailleurs et sont emprunts d’une culture inspirante. Ces pièces rares sont également un souvenir, il nous ramènent là où nous les avons trouvé.  Ambre, la fondatrice de Maison Intègre est passionnée par l’Afrique. Depuis 2017, elle parcours l’Ouest Africain à la recherche d’Antiquaires et d’artisans locaux pour nous montrer des objets étonnants. Maison d’édition, elle a proposé à des designers de collaborer avec certains artisans pour éditer de nouvelles créations…

— Ses lectures

Madame M accompagne ses journées de lectures en tout genre… Les maisons d’éditions indépendantes Parisiennes ont une place de choix dans sa bibliothèque USM. Jean Boite Edition, une maison d’édition d’un nouveau genre; Archéologues digitaux, l’équipe de Jean-Boite puise des sujets sur internet et interroge les artistes pour en faire un ouvrage. RVB Books réalise des livres d’artistes, des catalogues d’images/ Chaque nouvel ouvrage nous raconte les obsessions et les recherches des artistes à travers leur collection de visuels .

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— Son goût pour l’art

Madame M déniche de jeunes talents. Les oeuvres d’artistes émergents couvrent les murs, peintures de Lise Stouflet, Charles Hascouet, Francesc Ruiz,  Pol Aganda et Gaadjika. Dessins d’Antoine Benjamin Navet, Orfeo Tagiuri et Antoine Dessailli. Collages de Lia Rochas. Les bouquets peints de Pauline Sarrus ou encore les tableaux en silicone de Romain Sarrot.

— Ses jeux

Une âme d’enfant et d’artiste. Supereditions propose des livres et des jeux de carte à illustrer soi-même. On crée ses personnages dans le jeux des 7 familles,  on dessine des histoires et on peint ses voyages.  Pour les gourmands, Bogato fait des biscuits recouverts de sucre blanc sur lesquels on imagine des oeuvres d’art. Les furby, ce jouet des années 90 sont magnifiés par l’artiste Charles Hascouet.

 

— Ses objets Vintage

Madame M (aime) le mobilier ancien, il porte une histoire, se passe et se revend… Maison Mère, cherche partout en Europe les pièces d’exception, après une petite séance de beauté, celles-ci trouvent un nouvel écrin. Lebensformen pousse les portes du temps pour dénicher des objets chargés d’histoire.  Une sélection d’oeuvres et objets d’art expertisés et contextualisés pour une véritable expérience de collectionneur pour les amateurs d’art.

— Sa collection de céramiques

Madame M explore les différentes facettes de la céramique. contemporaine ou ancienne, la céramique orne son appartement. Lola Moreau crée une série autours des arts de la table pour l’occasion. Emile Degorce explore les formes et les couleurs à travers une série de vases. Emmanuelle Roule propose des sculptures questionnant le volume et la matière avec une forte dimension architecturale. Victor Guti s’imprègne de la pop culture, des codes du luxe pour  les inscrire  dans sa pratique de céramiste; Objets insolites, vases brandés ou vides poches aux allures kitsch.

 

 

— Sa boite à bijoux

Les bijoux de Madame M sont chargés d’histoire et de magie.  Pour sa troisième collaboration avec le Studio Marant, Violette Stehli à conçu et réalisé ‘le coffret secret des amours de Madame M’ : une boite confidentielle et mystérieuse ou Madame M conserve précieusement les offrandes de ses prétendants éplorés.  Les médailles conçues spécialement pour l’exposition sont une réinterpretation moderne et poétique d’un motif classique en bijouterie, rendu célèbre par le bijoutier lyonnais Alphonse Augis lorsqu’il grava sur une médaille un vers d’un poème de Rosemonde Gérard à son mari Edmond Rostand: “Plus qu’hier et moins que demain”, testament d’un amour éternel. Minéralosophie travaille autour de l’énergie des pierres et s’inspire du langage du monde visible et invisible, des symboles qui entourent et  interpellent chacune  d’entre  nous. Mains, oeils, perles,… sont autant de messages qui éveillent un sentiment, une pensée, un souvenir.

– Son jardin d’intérieur

Une maison dans les arbres crée des bouquets et cloches de fleurs séchées. Miyoko, design des pièces inspirées de l’Ikebana, elle déniche des végétaux, importe des fleurs délicates du Japon et compose de subtiles bouquets conçus pour restés.

– Quand?

Rendez-vous jusqu’au 23 Décembre. Tous les jours de 11h à 19h.

à la Galerie Joyce, 168 galerie Valois, Paris 1er

Parcours Saint-Germain

Parcours Saint-Germain

L’art de la forme

Le Parcours Saint-Germain investit les lieux emblématiques de ce quartier, où l’art est présent à chaque coin de rue.  Devenu un événement à part entière de la vie culturelle parisienne, le Parcours Saint-Germain, fondé par Anne-Pierre d’Albis, fête ses 18 ans du 1er au 10 juin 2018.

Une manifestation qui démontre combien l’art contemporain est ancré dans l’esprit du quartier. Boutiques de luxe, chocolatiers, places, cafés à l’image du Flore ou des Deux Magots… Dans leurs vitrines ou sur leurs murs, l’événement invite spécialistes et curieux à se balader pour découvrir sculptures, installations et oeuvres picturales, déclinées cette année sur le thème « L’art de la forme ». Un événement orchestré par Alice Gotheil (Agence Flash), rejointe cette année par Emily Marant (Studio Marant).

Ensemble, elles ont choisi les lieux, structuré le Parcours autour de sa thématique et sélectionné les artistes exposés. Un casting soigneusement établi laissant s’exprimer aussi bien des artistes émergents que des figures établies.

Place Saint-Germain-des-Prés nous verrons cette année une sculpture d’Avelina Fuentes. Composée d’imposantes formes géométriques, l’oeuvre en aluminium poli représente les éléments de la nature et marque le point de départ, de la promenade.

A travers une trentaine de lieux d’exposition, le Parcours Saint-Germain suscite des conversations entre les visiteurs et les oeuvres.

Sa programmation invite à déambuler dans les ruelles du quartier et découvrir l’art contemporain là où on ne le voit pas d’habitude, comme une chasse aux trésors. Un esprit curieux qu’entretient le Parcours Saint-Germain depuis sa création en 2000 qui investit des lieux mythiques et d’autres que l’on connaît moins.

«Le Parcours c’est l’art où on ne l’attend pas»

Pour sa 18ème édition, le Parcours Saint-Germain met à l’honneur “l’art de la forme”.

Les formes sont celles qui différencient l’art des mots, créent des images et suggèrent le fond.

L’histoire des formes est celle des artistes. En cela réside leur force, leur capacité à créer. Libre de tout mot, les artistes, dotés d’une hyper sensibilité aux choses qui les entourent, prennent pour palette l’ensemble des matériaux et objets qu’offre leur environnement pour créer ce qui ne s’énonce pas. Les raisons du passage à l’acte sont multiples : s’exprimer, témoigner, interroger, se guérir ; les artistes parviennent à faire surgir des images et des volumes dont eux seuls maîtrisent la genèse.

L’apparition des nouvelles matières, des plus palpables aux plus digitales donne lieu sans cesse à une appropriation de celle-ci par les plasticiens. L’artiste construit, déconstruit, explore les potentiels de la matière; forme, déforme pour produire des pièces informes, déformées, formidables.

Désormais souveraines, les oeuvres deviennent les inventaires silencieux des expérimentations, obsessions, combats des artistes. Abstraites, figuratives, polymorphes, hybrides, composites : voici qu’à leur tour, elles sont jugées et appréciées par leur représentation.

Les artistes ont leur propre vocabulaire formel. Notre monde est façonné d’un côté par les formes de l’existant produites par les enjeux d’usages et de l’autre côté, les formes des artistes. Les deux répertoires se répondent et s’inspirent mutuellement. Le Parcours Saint-Germain est l’écrin parfait pour révéler ces correspondances. Au travers des vitrines, suspendues dans les boutiques, au-dessus des banquettes des cafés mythiques, les visiteurs observeront bientôt ces oeuvres. Face à elles, ils s’accorderont ce moment de contemplation, leurs regards portés sur ces formes jusqu’ici inconnues, atteignant peu à peu leur propre fond.

Texte d’Elsa Janssen

 LE PARCOURS OFF

Cette année, le Parcours Saint-Germain ajoute aux expositions une  sélection de projets curatoriaux dans des lieux cachés du quartier à découvrir ou redécouvrir.

Bianca Lee Vasquez au Musée Eugène Delacroix

Pour le Parcours Saint-Germain 2018, Bianca Lee Vasquez propose un performance inédite le soir du vernissage au Musée Delacroix, inspirée du symbolisme de La lutte de Jacob et l’ange de Delacroix.

Talking about a revolution ! Au 22 Visconti

Comment la révolution s’exprimet-elle à travers l’art ? C’est la question que s’est posée Paul Ardenne qui réunit pour son exposition des « soixante-huitards comme Gérard Fromanger, Bernard Rancillac, Jimmie Durham, Joseph Beuys… qu’il présente en face de jeunes artistes en quête de liberté comme Baptiste Debombourg, Elena Kovylina, O’Maurice Mboa. L’ensemble des artistes présentés dans cette exposition ont tous en commun une nécessité de crier au monde qu’il doit mener sa révolution. Le titre de l’exposition est quant à lui emprunté à une célèbre chanson de Tracy Chapman. Il s’agit de parler de la révolution , donc, à défaut, à défaut de la faire. Cinquante ans exactement après Mai 68, ces artistes ne sont pas tant des révolutionnaires, des activistes, que des «irréconciliés» N’ayant pour la plupart aucune illusion quant à la durabilité du capitalisme et de son système d’exploitation planétaire, ils expriment cependant l’espérance d’un mieux-disant politique et social tout en restant des témoins vigilants. Ayant connu Mai 68 ou pas, ils ont soin d’éviter les postures d’anciens combattants ou de héros de la liberté et privilégient en lieu et place un comportement ainsi qu’une création « concerned », comme disent les Anglo-saxons « préoccupés ».

Chambre 101 par Sans-Titre (2016) à l’hôtel La Louisianne

Sans Titre (2016), un project-space nomade dont l’objectif est d’extraire l’art du white-cube traditionnel. Pour chaque projet, des espaces atypiques sont investis et les expositions sont pensées par rapport à ces lieux : anciennes boutiques, restaurants, parkings abandonnés ou encore appartements privés. Sans titre (2016) s’approprie La Louisiane, hôtel mythique où se sont côtoyées certaines grandes figures de la vie artistique (Juliette Greco, Jean-Paul Sartre, Ernest Hemingway…). Trois des chambres de l’hôtel seront prises d’assaut par de jeunes artistes parmi lesquelles Paloma Proudfoot, Marie Aly, Isabelle Andrienssen  ou encore Bea Bonafini. Le romancier Paul-Henry Bizon imaginera trois personnages, inspirés des illustres hôtes de l’hôtel et que les artistes seront invités à interpréter à travers leurs oeuvres.

Reality Check

Clémentine Carsberg

Reality Check

Exposition à l’hôtel Le Cinq Codet

 

Après le succès de l’exposition Super Green, ou la «nature rationalisée» (2017), le Studio Marant investit l’hôtel Le Cinq Codet pour une deuxième édition liant art et design émergents. Rejointe cette année par Alice Gotheil, les deux commissaires indépendantes y explorent le thème des réalités parallèles à travers le prisme du rêve. du 6 Septembre au 12 Octobre 2018.

Une autre réalité

Baptisée «Reality Check», l’exposition fait écho au thème de la Paris Design Week – Un Monde Meilleur – et propose autant de passerelles créatives vers le fantasme, une approche onirique du quotidien et une réalité réinventée.

Au fil des espaces publics de l’hôtel, les oeuvres sélectionnées permettent de « glisser vers une autre réalité, de multiplier les jeux de perception », expliquent Alice Gotheil et Emily Marant. Autant de fenêtres ouvertes sur un ailleurs qui créent un contrepoint et des accidents dans les intérieurs dessinés par Jean-Philippe Nuel. « Nous cherchons le point de rupture : celui qui met le spectateur en danger, permet de détourner la réalité et de multiplier les niveaux de lecture. Nous avons sélectionné des artistes qui génèrent des univers impalpables, provoquent une sensation différente, induisent une nouvelle réalité », ajoute le duo.

Charlotte Kingsnorth
Charlotte Kingsnorth

Scénographiée au sein des espaces de vie de l’hôtel, l’exposition donne la parole à une dizaine d’artistes dont les oeuvres varient en style : les sculptures en résine de Victor Vaysse répondent aux lampes en papier translucide de la designer Ionna Vautrin. Plus loin, les collages surréalistes de Lia Rochas-Pàris, les totems tribaux de Pauline Guerrier et les sculptures de Maloles Antignac prennent une place symbolique, évoquent des rituels. Ils contrastent avec le caractère organique des chaises «en mutation» de Charlotte Kingsworth ou onirique des céramiques du collectif Gangster.

D’autres pièces emblématiques s’invitent dans le décor comme les oeuvres givrées de Laurent Pernot qui prend la forme d’un oiseau posé sur un parterre de neige. Installée dans la galerie, la sculpture fait écho à une oeuvre de l’artiste Pauline Sarrus qui questionne, en trompe l’oeil, la notion de bouquet floral. Sur les murs, les sujets également en trompe l’oeil de Clémentine Carsberg révèlent à leur tour des couches de matières, questionnent ce qui est tangible. Une mise en abîme de la réalité avec laquelle l’artiste Romain Sarrot joue, c’est par son travail autour de la peau que l’artiste donne une nouvelle forme de vie aux objets.

Pauline Sarrus
Pauline Sarrus

« Nous cherchons le point de rupture : celui qui met le spectateur en danger, permet de détourner la réalité et de multiplier les niveaux de lecture.
Nous avons sélectionné des artistes qui génèrent des univers impalpables, provoquent une sensation différente, induisent une nouvelle réalité. »

Les artistes

— Pauline Guerrier

A l’âge de 27 ans, diplômée des Beaux-arts depuis 2014, Pauline Guerrier passe sa vie dans un large panel d’ateliers, entre l’Italie, le Maghreb, le Portugal, le Chili et bien d’autres pays. Les tisserands, les souffleurs de verre, les graveurs de pierres, les vitriers, les mosaïstes et tant d’autres sont son quotidien, là où elle observe, analyse et apprend. Dans une quête perpétuelle de connaître des techniques ancestrales, Pauline Guerrier confronte les savoirs d’hier au sujet du monde d’aujourd’hui et de demain. L’écologie, la science, la foi, la croyance sont des sujets qui ne cessent de l’intéresser. Son travail s’exprime à travers le dessin et la sculpture mais aussi les installa ons, la performance et la vidéo afin d’utiliser le médium qui sera le plus adapté aux différents sujets qu’elles aborde.

— Romain Sarrot

Autodidacte, la pratique de Romain Sarrot a débuté par une volonté de mener les expérimentations les plus poussées sur les matériaux et leurs possibilités. Un apprentissage empirique mais rigoureux des techniques les plus traditionnelles, développées au regard de procédés modernes : dorure sur résine polyuréthanes, lavis et pointillisme au silicone ou encore moulages de mousses expansives. Détourner les objets du quotidien, s’interroger sur le sens ou l’absence de sens, utiliser les changements d’échelle, les accrochages insolites et susciter chez le spectateur un sentiment de décalage, une inquiétante étrangeté ainsi que la qualifiait Freud. Les casques enfantins deviennent guerriers, les brioches dévorantes, les constellations se font ecchymoses et la peau humaine et sensuelle prend la forme d’un objet.

Romain Sarrot
Romain Sarrot
Maloles Antignac
Maloles Antignac

— Ionna Vautrin

Diplômée de l’école de design Nantes Atlantique en 2002, Ionna Vautrin a successivement travaillé pour Camper en Espagne, George J. Sowden en Italie et Ronan et Erwan Bouroullec en France. Elle ouvre son propre studio en Janvier 2011 après avoir remporté le grand prix de la création de la ville de Paris. Elle collabore avec différentes marques et éditeurs tels que Foscarini, Moustache, Kvadrat, Chris an Dior Parfums, Sancal, Lexon, Serralunga, SNCF, JCDecaux… Son travail est une rencontre entre poésie et industrie. Elle dessine des objets du quotidien dont l’ambition est d’être simple, évident mais surprenant. Ses projets associent des formes géométriques et organiques, un esprit espiègle et coloré, des usages intuitifs et fonctionnels, une présence chaleureuse et familière.

— Maloles Antignac

Maloles Antignac, plasticienne espagnole mêle la sculpture aux installa ons à travers l’utilisation d’une riche gamme de matériaux tels que la céramique, la cire, les minéraux, les pigments ou encore des éléments symboliques naturels comme les œufs. Sa recherche trouve un sens profond dans les communautés indigènes, les rituels de transe, la nature, l’anthropologie, la mythologie, la biologie germinale, la cosmologie. « L’utilisation de l’argile est mon point de départ pour un mode d’expression particulier et dans le cadre d’une pratique plus large. C’est comme explorer l’Origine comme «MOMENTUM», l’impulsion qui le rend possible ». Ancienne rédactrice de mode pour des magazines comme Vogue ou Elle, elle lance en 2004 sa marque de chaussures éponyme sur le thème de la ballerine. Elle a récemment oeuvré à la réouverture de l’hôtel de Crillon, a été en résidence à la manufacture de Sèvres et participé au projet Toguna au Palais de Tokyo.

— Pauline Sarrus

Née à Londres en 1987, Pauline Sarrus vit et travaille à Paris. Diplômée de l’école des Arts Décoratifs de Paris en 2013, elle a été nommée parmi les 3 finalistes du prix Yia Art Fair Brussels en 2016. Sa pratique est transversale, de la peinture à l’installation. Elle se nourrit de ses voyages (en Chine notamment – où elle a été initiée à l’art de l’estampe) et de sa curiosité pour l’anthropologie et les artisanats.

Ses projets prennent appui sur une approche singulière des matériaux comme révélateurs de sens. Chaque technique est convoquée pour son potentiel symbolique et son bagage de références. À travers une manipulation de la représentation et du trompe-l’œil, elle questionne la mémoire, la disparition et la résistance des formes et des symboles.

— Laurent Pernot

Diplomé de l’université de Paris VIII (Photographie & Multimédia), et du Fresnoy – Studio national des arts contemporains, Laurent Pernot développe un travail polymorphe faisant appel à différents supports : vidéo, installation, photographie, sculpture. Le thème de la mémoire est un axe qu’il explore régulièrement à travers l’expérience de l’écoulement du temps, du visible, de l’invisible rendu visible, de la lumière, de l’image et du mouvement. Ses œuvres se manifestent souvent dans un temps suspendu.

Laurent Pernot lie son travail plastique à une recherche sur les archives, l’histoire ancienne et les représentations du monde qui traversent l’espace et les siècles, ainsi que sur les philosophes, les poètes et les scientifiques qui étudient le temps et ses mécanismes. Les interactions entre l’homme et la nature, et la question des origines, font également parmi de ses thèmes majeurs. Son travail est empreint d’une douceur mélancolique évoquant la perte ou la disparition, la sensation d’un monde flottant dont la fragilité nous menace.

Laurent Pernot

Violette Stehli

Gangster

— Gangster

Gangster, un collectif + un lieu
Quatre artistes qui lient leurs pratiques et leurs terrains d’expérimentation autour de la terre.

Gangster c’est un pari qui a ouvert ses portes en mai 2017 dans le quartier de Bastille à Paris. Monter un atelier de céramique n’a rien de nouveau mais ce qui est peut-être un peu plus singulier, c’est un collectif de céramistes. Emmanuelle Roule, Judith Lasry, Léa Munsch et Lola Moreau préfèrent travailler en groupe plutôt qu’en solitaire.

Elles partagent une approche expérimentale de la céramique ; chacune d’entre elle développe sa pratique, ses recherches de formes et de couleurs. Les gestes sont pluriels, ils sculptent, modèlent, façonnent, tournent, le grès, la porcelaine ou la faïence.

Les 4 complices jonglent entre l’individuel et le collectif, et développent également dans leur atelier des pièces communes signées gangster. De la création sculpturale à l’utilitaire, le champs des possibles est vaste. Cette gangstérisation se matérialise par la conception de micro-séries ou d’installations au grès des envies, échanges, rencontres et invitations.

— Lia Rochas-Pàris

« Assembler, créer des liens, partager » pourraient être les maîtres mots de cette femme orchestre qui compose avec les éléments qui l’entoure. Des collages, des dessins, des polaroïds, des expositions sur une étagère dans le cadre de Shelves ou encore des rencontres « Comme un roman-photo », Lia Rochas-Pàris considère chaque source d’inspiration comme une pièce d’un puzzle dont on ignore encore le paysage final. Sa pratique du collage matérialise cette vision. Lia explore les formes, les espaces vides et pleins, jongle entre géométrie et maladresse des traits et des coupes. Sa pratique du dessin est fortement inspirée par son père, Z.L Da Ro- cha(s) mais également par Sophie Tauber-Arp, Jean Arp, Sonia Delaunay, Zadkine, Matisse, Brancusi. Lia travaille depuis quelques années sur un projet autour de son père intitulé «My heart belongs to dadarocha(s)». À suivre.

— Victor Vaysse

La démarche artistique de Victor Vaysse (1989) se construit autour d’une relation entre l’image et l’espace qu’elle produit. Après une pratique exclusive de la photographie, il développe une approche transdisciplinaire. Son questionnement de photographe s’est cristallisé dans des sculptures et dans des installa ons numériques. « Je ne renie pas la photographie car elle est une manière de voir le monde. On parle de l’œil du peintre ou de l’œil du photographe, mais je considère que le produit photographique formaté, sur papier, s’enferme dans son propre discours.»

— Clémentine Carsberg

Au cœur de la pratique, l’alentour. Installations, sculptures, souvent en carton et papier peint. Leur point commun, une détermination à rendre accessible au travers de l’ironie et de l’intention de faire attention à l’alentour, viser le sourire. L’intérieur domestique, la maison, la décoration et les formes qui leurs sont propres, meublent des bricolages maladroits dans un élan d’économie. Clémentine utilise des matériaux indigents pour leur capacité à res tuer une ambiance. Leur vécu et leur utilisation les chargent déjà de sens et de raisons d’être là. Le carton et le papier dominent dans les installations et suffisent à ses ambitions formelles. Leur légèreté et leur communauté prennent part au sens qu’ils lèguent aux œuvres. Le revêtement mural est le support idéal du décor feint et de l’illusoire, du trompe-l’œil annoncé. Le mimétisme obtient une bonne place dans cette recherche de confusion. La prégnance des motifs privilégie le souvenir visuel, le papier peint fait la star et permet aux assemblages de se fondre dans le décor à la recherche d’un confort dans l’étonnement. La taille humaine, la grandeur nature, aide ces interventions à s’accrocher au réel sans les empêcher de raser les murs sur la pointe des pieds. Tout est à sa place. Dans le lieu de l’exposition ou sur le terrain d’accueil, c’est un travail de construction qui s’engage. Une installation in situ. Ses recherches tournent dernièrement autour de notions proches du patrimoine, de la géologie, de l’archéologie, des vestiges, des restes. De l’aide-mémoire.

Victor Vaysse

Mabiani x Montex

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Mabiani

Lancement de la collaboration avec Montex

MABIANI présente sa collection et met en lumière deux modèles intemporels agrémentés par les brodeurs de l’atelier Montex.  C’est dans le showroom de Montex que Studio Marant propose une scénographie épurée jouant des matières et des lumières.

Collaboration et Architecture

La scénographie met en avant la collaboration entre la marque de cuir et les broderies.  Les sacs Mabiani brodés par Montex sont sublimés par une structure  en miroir sur laquelle des points lumineux projetés  au-dessus d’un filet provoquent des jeux d’ombres et de reflets. Suspendus, les sacs occupent l’espace en étant mobiles : ils flottent dans les airs.  Les invités peuvent monter et entrer dans la structure, prenant part à la scénographie, reflétés dans les miroirs. 

Cuirs unis sur panneaux brodés

La déambulation continue entre les panneaux architecturaux brodés par MTX. Devant ces architectures délicates et transparentes, les sacs colorés de la collection permanente sont suspendus.

Cuirs précieux  et tableaux lumineux

Une sélection des sacs en cuirs précieux MABIANI est présentée dans des tableaux lumineux. Suspendus dans les alcôves, les sacs composent des tableaux mouvants et minimalistes. 

Suspendus dans les alcôves les sacs deviennent des tableaux mouvants

Fondé en 1939 et intégré aux Métiers d’Art de CHANEL depuis 2011, l’Atelier de broderie MONTEX s’est imposé comme l’un des partenaires les plus novateurs de la Haute Couture et du prêt-à-porter de luxe.

A la tête de MABIANI se cache Mario Biasutti. Maroquinier depuis 1979, c’est en 1986 qu’il ouvre trois usines dans le Nord de l’Italie pour mettre son savoir-faire au service des grandes Maisons de luxe. Aujourd’hui Mario présente sa première collection: un style épuré et contemporain, un mix d’élégance, de rigueur technique et d’allure…

C’est en découvrant l’univers des broderies architecturales du Studio MTX, créé par Montex en 2013, que pour Mabiani l’évidence d’une collaboration est née. La rencontre se fait autour de passions communes comme l’architecture, mais aussi les lignes graphiques, la géométrie.

Deux modèles phares de la collection: le Panino et le Goccia – ont été revisités par l’Atelier MONTEX pour donner vie à une ligne de sacs brodés : une ode à l’excellence du savoir-faire Italien et Français.

Manifesto

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Manifesto

Idées créatives, 50 ans

Pour les 50 ans de Sonia Rykiel le Studio Marant propose un contenu artistique lié aux différents lancements prévus par la marque pour célébrer cette année si particulière. Conception de l’invitation au launching event de la saison, teaser vidéo en animation et soirée de lancement…

Manifesto est le Chapitre I de cette année de célébration, les festivités sont lancées.

Une collection capsule Manifesto et une collaboration avec l’artiste Jaro Varga ont été imaginé autour des mots du dictionnaire déglingué de Sonia Rykiel.  Les mots prennent un nouveau sens dans la littérature de la créatrice Parisienne.

Pour Sonia Rykiel, le Studio Marant imagine une fête dans le flagship store du Bd Saint-Germain. Le 16 Janvier 2018, amis de la marque, personnalités, créateurs et plumes sont invités à s’exprimer. C’est sur la facade recouverte d’une bibliothèque vide imaginée par l’artiste Jaro Varga que les livres blancs prendrons de la couleur.

SECRET (n.m.) p.75 : À coudre dans les ourlets.

– Un livre pour invitation

Comme point de départ la littérature, la bibliothèque du Boulevard Saint-Germain, le dictionnaire, le livre de poche mais également le livre blanc, la page à remplir.

Nous avons pensé l’invitation comme un premier pas vers l’écriture et l’expression. Un livre rouge avec pour seul indication MANIFESTO- Chapitre 1. A l’intérieur on découvre un marqueur, un appel à la créativité.

– Une vidéo pour  créer

Afin susciter l’envie et d’animer l’oeuvre de Jaro Varga, nous avons imaginé une vidéo où les dessins, les écritures apparaissent et disparaissent en rythme. Ce teaser posté sur les réseaux sociaux invite également les viewers à s’exprimer pour tenter de gagner un produit de la collection. Instagramers et Instagrameuses peuvent créer leur propre bibliothèque en faisant une capture d’écran puis la poster avec un hashtag dédié.

175 SAINT GERMAIN (n.) : Une destination parisienne de zèbres et de bibliophiles.

Accueillis par des hôtesses ornées de paniers de feutres (inspirés par les ouvreuses de cinéma), les invités s’emparent de marqueurs Windsor & Newton. Dans un élan créatif ils dessinent, écrivent, gribouillent, esquissent et crayonnent leurs pensées  sur l’installation de Jaro Varga, une immense bibliothèque imprimée sur toute la facade du magasin et dans la boutique…

Un flagship aux allures de fête… Transformée pour accueillir la soirée d’anniversaire le mardi 16 janvier, la maison mère de la marque est vidée de sa fonction.

Au rez-de-chaussée, les invités peuvent s’exprimer sur un mur de Jaro Varga. La mythique bibliothèque de la boutique est habillée des lettres à paillettes qui reprennent les mots du dictionnaire déglingué.  On foule la piste de danse disco sous un tube à facette. A l’étage, l’ambiance est à la conversation, on sirote un  Skerzo lové dans des canapés en cuir.

SAUTERNES (n.m.) p.58: Une bouteille sublime à boire en se regardant dans les yeux sans se quitter.

En hommage à l’épicurienne qu’était Sonia Rykiel, les verres se remplissent de sauterne et les doigts se glissent vers une montagne de chocolats. 21h sonne ! une voix s’élève sur un rythme disco et déclame les mots de Manifesto… La performance de Corine peut commencer ! Elle déclame les mots et définitions du dictionnaire déglingué puis entame un show avec ses deux performeurs.

S’AIMER (v.) p.92 : Avec les bons outils.

Les invités penchés au balcon immortalisent le show de Corine. C’est sur un air de happy birthday façon Maryline qu’arrive le gateau siglé d’une bouche rouge; Nathalie Rykiel, Julie Delibran, Jean-Marc Loubier et sa femme se réunissent au milieu de la piste pour souffler les bougies et lancer la danse.

STAR (n.) : Un point lumineux fixe généralement féminin.

Pour cet évènement de 500 personnes, nous étions entourés des équipes de Guillaume Delacroix, agence DLX Paris pour les relations presses et VIP, de Two-Twenty pour la production technique de l’évènement et de Jeremie Bole du Chaumont pour la réalisation des vidéos et films courts à destination des réseaux sociaux et du site internet.

Something in the box !

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Something in a box !

The Hoxton, Paris

Du 7 au 24 décembre, Flash Design Store et Studio Marant posent leurs valises à l’hôtel Hoxton et proposent une sélection d’objets d’arts et de design sur le thème du voyage. 

– Collection Mobile

Objets fonctionnels ou à collectionner, produits en éditions limitées ou en série, tous évoquent le voyage, la maniabilité, la transportabilité… Des objets avec lesquels nous pouvons vivre mais aussi nous déplacer. 

En 1914 déjà, Marcel Duchamp imaginait la « boite en valise », un musée portatif qui permettait à ses acquéreurs de transporter une sélection d’œuvres miniatures.

– Une collaboration entre Flash Design Store et Studio Marant

Fidèles à leur propos, le Studio Marant et le Flash Design Store confirment leur attrait pour la jeune création et dénichent des talents émergents pour créer une boutique éphémère surprenante, une sélection pointue, des objets rares à tous les prix.  

– The Hoxton, Paris

Après Londres, Amsterdam et New York l’hôtel Hoxton a ouvert son adresse Parisienne à la rentrée. Plus qu’un hôtel, le Hoxton est un lieu de vie pour une génération d’urbains actifs et voyageurs, il s’est imposé comme le cadre idéal pour cette sélection

En 1914,
la “boite en valise”

Collection mobile

Une sélection autour du voyage; Des Octogardens de Sophie Kitching, coffrets souvenirs qui rappellent les « Sailor’s valentines » du XIXème siècle aux masques de sommeil imprimés des yeux de Louise Bourgeois, les objets d’art et de design évoquent la mobilité.

Exclusives in the box !

Violette Stehli présente ses bijoux dans des boites empruntés au voyage, comme des petites scènettes à découvrir exclusivement lors de Something in a box !

L’artiste et céramiste Réjean fraichement sorti de sa résidence édite une série spéciale de couteaux en céramique.

Keur, Paris prépare une série de t-shirts surprise pour les grands et les petits.

Le petit collectionneur, crée pour l’occasion une valise spécial pour ces lithographies d’art destinées  aux enfants.

Pansy Ass Ceramics, artiste Canadien présentera pour la première fois en France ces créations.

Les natures mortes de Morandi prennent vies grace à la designer Sonia Pedrazzini.

 

Luis Alberto Rodriguez

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Luis Alberto Rodriguez, prix de la photographie 2017 American Vintage au festival d’Hyères.

American Vintage, rue du temple

En Novembre 2017, le Studio Marant signe la scénographie de l’exposition de la première édition du prix American Vintage de la photographie à la Villa Noailles. Le lauréat Luis Alberto Rodriguez a créé une série intitulée « A million little bells ».

Inspiré par l’onirisme des images réalisées par Luiz Alberto Rodriguez, le Studio Marant prolonge la photographie en transformant la boutique de la rue du temple en écrin pour l’oeuvre du lauréat American Vintage x le festival d’Hyères.

– L’exposition boutique

L’exposition prend place dans la boutique American Vintage de la rue du temple, nous nous inspirons et nous adaptons aux matériaux présents ; racks, lumières et vêtements initient la scénographie. Les racks se muent en système d’accroche, les vêtements prennent les couleurs des images, les spots illuminent  les oeuvres de Luis Alberto Rodriguez. Tout en respectant l’architecture de la boutique, nous déterminons des espaces dédiés à l’exposition. Au centre de la boutique, nous imaginons un système d’accroche face au miroir où les images se reflètent et se répondent. Conçue comme un parcours dans lequel nous intégrons les images, l’exposition fait ainsi partie intégrante de la boutique.

– La nature

Omniprésente dans les images que Luis Alberto a prise en Sardaigne lors d’un voyage, cette nature aride et minérale deviendra l’élément principale de la scénographie. Palette de gris teintée de vert et d’ocre, nous prolongeons les images en collaboration avec le végétalisateur Merci Raymond. Emergent du sol, nous dessinons et définissons les espaces d’exposition à l’aide de mousse, de gravier et d’ardoises.

“Mon travail consiste a une exploration de la forme humaine et de sa distorsion sous l’effet du mouvement”

Luis Alberto Rodriguez

– Interview recueillit par la Villa Noaille

« Mon travail consiste en une exploration de la forme humaine et de sa distorsion sous l’effet du mouvement. À ce titre, mon expérience passée de danseur irrigue fortement mes choix de photographe. Les corps sont invités à engager un dialogue avec les matériaux trouvés sur site, et à se laisser remodeler et réinvestir par leur environnement. Si les prises de vues se déroulent en des endroits spécifiques, elles ne se réfèrent à aucun lieu ou temps précis. Les matériaux sont mis en mouvement ; le haut et le bas sont inversés. Chaque photographie est le lieu d’une certaine confusion, qui vient hanter le spectateur : le familier devient méconnaissable, entraînant souvent une réaction physique immédiate.

Je considère d’abord les potentialités sculpturales du corps, puis je donne aux modèles une consigne de mouvement, en lien avec l’humeur, le sentiment et le concept de la photographie. Il s’ensuit un échange ou un dialogue entre nous, suivant leurs réactions à mes instructions. Je réagis à eux et j’espère qu’ils réagissent à moi. Je m’intéresse aux microglissements dans le corps, et à la façon dont ils s’organisent. Je demande aux modèles de réagir à leur environnement ; je dirige le mouvement en conséquence, jusqu’à ce que le résultat dépasse mes attentes. J’entends par là : jusqu’à ce que le corps soit affecté par le site, et le site par le corps. Les modèles sont encouragés à se saisir des objets et matières mis à disposition (pneus, briques, poussière, plastique, vêtements…) jusqu’à ce que le corps n’exprime plus que sa quintessence. Cela peut être cinétique (une réponse physique au mouvement) ou émotionnel.

“Si j’essaie ici de le décrire, c’est afin de ne pas l’oublier. C’est triste d’oublier un ami. Tout le monde n’a pas eu un ami.”
-Antoine de Saint-Exupéry, Le Petit Prince

A Million Little Bells est un journal de textures et de couleurs inspirées par la machination d’un jeune adulte emprunt d’une curiosité enfantine. C’est également la célébration de la vie, honorant ceux qui pénètrent notre royaume en laissant derrière eux plus qu’un souvenir. Nous suivons Léon au travers de cette comme dans une rêverie qui se transform en un jeux de rôle, il se déguise isolé du reste du monde, chaque metamorphoses nous permet peu à peu de se glisser dans le monde du rêveur

– Biographie

LUIS ALBERTO RODRIGUEZ (1980) A ÉTUDIÉ LA DANSE À L’ÉCOLE JULLIARD, NEW YORK. PHOTOGRAPHE AUTODIDACTE, SON TRAVAIL A ÉTÉ EXPOSÉ EN SUÈDE À WANÅS KONST. IL A ÉTÉ PUBLIÉ DANS LES MAGAZINES SLEEK, SLEEK ART, GLAMOUR, GRIOT ET GROUND, KALEIDOSCOPE ET NUMERO.

Super Green

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Super Green

Exposition à l’hôtel Le Cinq Codet

L’exposition Super Green invite les visiteurs à reprendre contact avec la nature à travers un parcours d’art et de design.  Du 7 Septembre au 22 Octobre 2017

— Le Parcours

Dans le couloir, une odeur de terre vient soudainement absorber le nez, émanant du chemin de plantes végétalisé.

Au fond, les atmosphères nous emmènent encore un peu plus loin… Presque au bout de l’horizon, les toiles en dégradé de Dorothée Recker nous font toucher le ciel et le Paradosso de Pierre-Emmanuel Vandeputte nous fait dormir debout, avant que la lampe Céleste de Vincent Loiret ne rallume tout le colorama, incrusté par ailleurs sur le sac minéral de Marion Du- clos Mailaender.

Brute, cette même matière fait encore irruption dans les Manufactures en argile d’Isabelle Daëron ou sur la surface de cire et béton des tableaux de Jean-Baptiste Caron, comme autant d’abstractions aériennes où l’on sentirait presque le vent souffler.

Tout autour, c’est un jardin d’hiver contemporain qui se déploie par touches, rythmé par les trois parfums des Eaux Arborantes de Philippe Di Méo: une vidéo de Julien Discrit dévoile des fourmis aux prises avec un ruban, tandis que le bois de l’Atelier Marotte se transforme par la fantaisie de Pier Stockholm. Dehors, le jardin se suspend, transcendé par Romain Vicari.

« toute conception du psychisme doit se fonder sur son enracinement dans le corps, par la perception sensorielle d’un objet concret et externe ».

— Jean-Baptiste Caron

Dans la mesure du saisissable s’inscrit comme un ensemble de tentatives et d’expérimentations qui souhaite poétiquement faire l’empreinte de courants d’air. Ce tableau de cire et de béton est ainsi ce qui, par essence, demeure insaisissable : l’air et ses mouvements. La surface ondulée en bas-relief reste fragile, elle semble d’ailleurs être en mutation, organique, évoquant ainsi de possibles transformations de la matière. Ces métopes contemporaines accrochant l’air et ses mouvements contraires, s’inscrivent comme de fragiles révélateurs des ce qui nous entourent.

Jean-Baptiste Caron est né en 1983, il travaille et vit à Paris. L’artiste s’approprie la part de poésie que chaque objet, même le plus insignifiant, porte en lui, a n de faire oeuvre. À partir d’éléments très simples – poussières, béton, courant d’air – l’artiste joue les prestidigitateurs et détourne les règles de la nature, qu’il s’agisse d’attraction terrestre ou de force de gravité. Avec un langage minimal et quasi-immatériel, l’artiste cherche à brouiller la frontière entre le domaine de la pensée et celui du possible, repoussant toujours un peu plus loin les limites.

— Dorothée Recker

Les tableaux de Dorothée Recker-Launois font état d’un point de passage, d’une perception sensible à sa transposition matérielle. Il s’agit pour elle de faire exister un espace, né de la rencontre entre surface et couleur. Dominant son vocabulaire plastique, les gradations colorées suggèrent des paysages aériens, tout en nous opposant leurs artificialités. La toile se fait le lieu d’une projection céleste, la tentative de contenir une présence im- matérielle. Elle n’existe pourtant que par sa dimension physique, s’appréhende par sa taille, sa gravité, son ancrage dans l’espace. De plages en vagues, les couleurs s’y dissolvent, absorbent la trace du passage de la main. L’absence de limites et de points de fuite, l’impossibilité de toute mise au point, affirment ici autant la quête d’un horizon, notion centrale de son travail, que le désir d’y perdre ses repères.

Artiste franco-allemande née en 1984 à Oslo, Dorothée Recker travaille et vit à Paris. La volonté de produire des images constitue le point de départ de son œuvre. Tableaux, photographies, lmages et objets font état d’une perception, exprimée sous ces différentes formes. Son travail se nourrit en premier lieu d’expériences sensibles, de phénomènes naturels et universels. Ainsi l’artiste célèbre les couleurs du ciel, la profondeur de l’horizon et le mouvement des vagues, la sensation du sable et la lumière du soleil.

 

— Julien Discrit

Le ruban figuré dans l’oeuvre porte le nom d’August Ferdinand Möbius, mathématicien allemand qui, en 1858, dépose un mémoire à l’Académie française des sciences lui attribuant cette découverte. Si le ruban est resté un objet de fascination des mathématiciens tout au long du 19e siècle, il a rapidement été récupéré par certains des penseurs les plus influents des sciences humaines et sociales ; la psychanalyse lacanienne, par exemple, utilise la bande de Möbius comme modèle de spatialisation du travail de l’inconscient. L’aspect formel de la vidéo de Discrit, quant à lui, emprunte à une série de dessins et de gravures sur bois produites par M.C Escher au début des années 1960, sur lesquels on peut voir neuf fourmis rouges circuler sur un ruban de Möbius, généralement placé à la verticale. Précisément une forme en torsion, le ruban de Möbius, qui devient par la vidéo un espace senti, expose la relation cyclique entre l’élaboration physique d’un concept mathématique, sa récupération par la théorie des sciences humaines et sociales, ses représentations artistiques potentielles et l’expérience qu’il est possible d’en faire en tant que phénomène physique. En évoquant simultanément ces contextes, la proposition de Discrit met en évidence les liens entre abstraction mathématique et réalisme organique, concédant que « toute conception du psychisme doit se fonder sur son enracinement dans le corps, par la perception sensorielle d’un objet concret et externe ». – Daniel Fiset.

Né en 1978 à Epernay en France, vit et travaille à Paris. La géographie, en tant que tentative pour « décrire le monde » – ou du moins en donner une représentation possible -, constitue pour Julien Discrit une source importante de ré ex- ion. Mettre en forme les décalages, les ambiguïtés et les para- doxes qui se nouent entre la carte et le territoire pourrait peut- être résumer une recherche qui se déploie de l’installation à la performance, de la photographie à la vidéo. Julien Discrit a participé à de nombreuses expositions personnelles et collec- tives dont en 2015, Territoire Hopi à la Galerie YGREC, Paris, Sublime au Centre Pompidou-Metz, la Biennale de Lyon en 2011, ou la Consistance du visible, prix de la Fondation d’entreprise Ricard en 2008.

—  Isabelle Daëron

Manufactures prend appui sur un procédé lent et à l’échelle de la main : constituer des objets à partir de pincées d’argile. Prendre une pincée, la déposer, recommencer, chaque nouvelle action étant déterminée par la précédente. À chaque geste, l’équilibre est à retrouver pour dessiner un volume qui puisse résister à l’épreuve de la gravité.

Née en 1983 à Plœmeur, elle vit et travaille à Paris. Diplômée de l’ESAD de Reims et de l’ENSCI-Les Ateliers, Isabelle Daëron développe des projets questionnant le milieu habitable et les éléments naturels, à travers la conception d’objets, d’espaces et d’installations. Qu’est-ce que l’habitable aujourd’hui ? Les enjeux environnementaux contemporains impliquent la nécessité d’interroger cette notion et notamment dans son rap- port à la technique qui la détermine en partie. Isabelle Daëron a créé son studio en 2010. Elle participe à des programmes de recherche pour le pôle recherche de la Cité du design de Saint- Étienne et enseigne le design objet à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs à Paris.

— Marion Duclos Mailaender

Vases en forme de sacs de soirée, sacs à main trop lourds, ces vases sont l’assemblage d’échantillons de matériaux, souvent refusés par ses clients, pour les rendre désirables. Ils empruntent à la mode une attitude avec une certaine ironie. Marbre, granito, laiton. Chaque pièce est unique.

Marion Duclos Mailaender est née à Marseille en 1979. Elle vit et travaille à Paris. Après avoir été diplômée de l’Ecole Boulle en 2002, elle crée en 2004 son agence d’architecture intérieure Design & Fils, où elle conçoit également des objets. Marion Duclos Mailaender utilise dans ses objets des détails du quotidien qui peuvent paraître anodins, mais qui pourtant constituent la base d’un souvenir. Dotés de peu de frontières entre les styles et de beaucoup d’humour, les projets de Marion Duclos Mailaender poussent les limites du bon goût.

— Liquides Imaginaires

Végétaux, minéraux et matières animales sont ici unifiés par le «sang de l’arbre», cette résine naturelle, employée pour le processus de laque. La laque japonaise est l’empreinte, d’un mondes terrestre et spirituel qui se croisent et se mélangent. La surface brillante de l’amphore reflète une vision altérée de la réalité. Entre deux mondes, la peau de serpent d’eau devient branche d’arbre, le cuir se durcit tel un tronc, le pigment forme de la mousse, la coquille d’oeuf projette la lumière, crin et cheveux s’embrassent tels une allégorie de la terre nourricière. Chacun d’entre nous est invité à prendre part à ce voyage, au travers de la méditation où les portes de l’inconscient peuvent être désormais franchies et les symboles révélés…

Liquides Imaginaires est fait d’esprits proches du parfum qui se plaisent à travailler ensemble, de compétences qui s’additionnent, d’univers créatifs qui se croisent pour le meilleur de la création. Une réflexion collective qui aborde le parfum dans ses expressions les plus diverses. Avec Philippe Di-Méo, ils imaginent la trilogie de parfums. Les Eaux Arborantes sont un hommage sacré à l’arbre, au monde sauvage, végétal et animal. L’arbre est le totem de cette trilogie. Vénéré tel une divinité, il devient un être myhtique et protecteur.

— Vincent Loiret

Céleste est un drôle d’objet. Inspiré des ciels étoilés, des arcs-en-ciel, il n’en est finalement qu’une version terriblement pesante. C’est donc ailleurs que dans la légèreté ou dans la transparence qu’il cherche grâce… Céleste s’apparente au fond plus à une étrange météorite qu’à autre chose… Édité par Playground Edition.

Diplômé de l’École Boulle et de l’École Normale Supérieure de Cachan, Vincent Loiret (1977) partage son temps entre diverses activités : dessin, écriture, design, enseignement… Les objets qu’il crée sont avant tout des interrogations. Il y est souvent question de dysfonction, de fragilité, d’objets qu’il faut apprivoiser. Ce sont en somme des objets qui se jouent de l’évidence et qui demandent avant tout à être compris.

— Pier Stockholm

En collaboration avec l’Atelier Marotte, Pier Stockholm imagine trois sculptures à partir de panneaux contreplaqués de bois nobles; Palissandre de Santos Morado ou encore ébène de Macassar Kaju. À travers ces trois pièces, l’artiste confronte les bois précieux aux matériaux bruts et industriels comme le béton et la mousse Polyform. Conçues comme des totems, ces formes autour desquelles on tourne créent une chorégraphie de cou- leurs et de géométries. Lorsque l’on s’en approche, les détails de chaque pièce semblent s’entrechoquer sans libre arbitre et dans une forme de chaos. La chaleur du bois, ses motifs organiques et la justesses des formes contrastent visuellement avec les modèles de béton plongé et l’aspect doux et arti ciel de la mousse bleue.

Né en 1977 à Lima au Pérou, vit et travaille à Paris. Son oeuvre est très formelle, elle incorpore des pensées et références personnelles, des obsessions et des histoires subjectives qui mènent à l’essence même de la vie. Pour Pier Stockholm, l’art est une question d’endurance, de perte et de redécouverte de la foi, il est persuadé que l’inattendu est essentiel à la créativité. Systèmes de mesures aléatoires, échelles et couleurs, Pier Stockholm s’inspire des références telles que l’architecture moderniste, l’histoire, le design, les diagrammes, les échelles, les rituels, les classifications, les icônes et les ornements: chaque pièce commence par une règle ou une méthode de production a n d’y intégrer de l’inattendu.

— Romain Vicari

Romain Vicari nous propose une installation dans la terrasse de l’hôtel. Une grande feuille en résine sera exposée parmi les arbres et la végétation. Seule la sculpture et une feuille en résine posée au sol seront mises en lumière.

Né à Paris en 1990, l’artiste italo-brésilien travaille à Paris. Romain Vicari explore les espaces urbains. Depuis sa jeunesse à São Paulo jusqu’à aujourd’hui, l’artiste parcourt les sites, les chantiers ou les lieux désaffectés, a n de les apprivoiser et les occuper. Chaque lieu est un laboratoire éphémère qu’il investit en tant que médium artistique. Au sein de ces espaces, il crée ses installations: la lumière et la couleur mettent ainsi en valeur l’univers artistique propre à l’artiste et les matériaux employés tels que le plâtre, le béton, la résine et les structures métalliques, nous rappellent l’importance accordée à ces es- paces publics et architecturaux. Les oeuvres de l’artiste sont à la fois d’une grande délicatesse bien qu’en opposition à la dureté des matériaux utilisés. Grâce à ses investigations, l’artiste s’approprie des objets qu’il exploite au travers d’une nature organique et végétale débordante de légèreté, d’une matière colorée et de torsions élégantes, venant s’agréger aux barres d’acier structurant ses installations chamaniques.

— Pierre-Emmanuel Vandeputte

Le Paradosso est composé d’un repose-dos en cuir main- tenu par une structure métallique. Il permet à l’utilisateur de s’assoupir tout en étant actif. Paradosso répond à la société active et à la pensée rationnelle, il est une invitation à dormir debout, une parenthèse dans la ville et sa réalité. Dos à Paradosso, la rêverie prend place.

Designer belge, né en 1991, Pierre-Emmanuel Vandeputte est diplômé en Design Industriel de la Cambre en 2014. Il ouvre son propre studio la même année en résidence au MAD in Situ à Bruxelles. L’objectif de son travail est de faire vivre des expériences. Le design de Pierre-Emmanuel Vandeputte est un design énigmatique qui tente de remettre en question l’évidence, propose de modi er les habitudes et invite à une nouvelle perception de la réalité. De ses racines, Pierre-Emmanuel Vandeputte a gardé le surréalisme et l’artisanat. Son travail a en effet la capacité d’associer l’envie de rupture et l’originalité à la noblesse des matériaux..

The Designer Studio

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The Designer Studio

Au Coeur

A l’occasion des Designers Day’s, Studio Marant, Playground Editions et Flash design Store s’associent pour créer “The Designer Studio” du 4 au 14 Mai 2017. Exposition et vente cet évènement propose une sélection pointue d’objets d’art et de design contemporain en pièce uniques ou en édition limitées. The Designer Studio met à l’honneur des créateurs et leurs objets en offrant des regards croisés sur la création émergente.

Entrez à l’intérieur d’un studio de design et découvrez des pièces jamais montrées.

L’origine du projet

Alice, Emily, Héloïse et Laurence évoluent dans le domaine de l’art et du design. Leurs parcours complémentaires dans l’évènementiel, le commissariat d’exposition et l’édition de design ont permis de porter un regard aiguisé sur la création émergente et de proposer une exposition transversale d’objets inattendus et décalés.
Le projet est né d’un constat commun : lors de leurs visites dans les ateliers, elles découvrent que beaucoup de prototypes et de pièces de qualité restent inconnus du public et des circuits de distribution.
The Designer Studio réunit ces pièces dans une scénographie évoquant l’atelier du créateur.

– Playground editions

Playground est une maison d’édition d’objets, luminaires et mobiliers contemporains basée à Paris et fondée en mars en 2017. La maison d’édition présente une collection qui s’amuse à mélanger les genres. Les objets décomplexés sont dotés d’humour, d’une grande liberté et d’une touche de spontanéité.

– Flash Design Store 

Le Flash Design Store voit le jour en décembre 2012 dans le but d’offrir une plateforme de diffusion aux jeunes designers français en manque de visibilité. Boutique éphémère à l’origine, le Flash Design Store prend maintenant différentes formes : expositions, mise en scène d’appartements, scénographie évènementielle…

– Le Coeur

Le cœur Paris, lieu de vie transdisciplinaire à la croisée de l’art, du design et de la mode, situé au 83 de Turenne dans le Marais, accueille l’exposition du 4 au 14 mai 2017.

– Les D’Days 

Née en 2000 de la réunion d’un groupe de professionnels, l’association D’Days œuvre à la promotion du design auprès du grand public et des professionnels du secteur. Depuis plus de 15 ans, D’Days organise le Festival du Design, manifestation annuelle à Paris, qui a évolué au fil des années. La manifestation rassemble aujourd’hui près de 100 acteurs de la profession (éditeurs, écoles, musées, institutions, fondations, entreprises, galeries, …) qui proposent autant d’expositions, de rencontres et d’autres formats inédits et gratuits pour promouvoir le design français et international, dans toute sa richesse et sa diversité.

“Ce projet à plusieurs mains permet de réunir
des talents de tout horizons et proposer ainsi
une sélection riche, créative qui reflète la
création contemporaine”

Les designers exposés

 

A la mère de famille X Studio Marant

Alfredo Da Silva
Chut Collection
Buro Bonus
Carrara
design factory
Chape & Mache
Dach & Zephir
Studio Dessuant Bone
Domestique
Atelier Yade
kmr
Emile Degorce Dumas
Jean-Baptiste Caron
Le Buisson
Loup Felix Garçin
Maison Fragile
Miriam Josi
Nova Obiecta
Marion Mailaender
Matali Crasset
Série Limitée Louise
Raphael Kadid
Rémi BusRemi Casado
RVB Books
Seem Soap
Teddy Moissant
Jade design
Trait d’Union
Vincent Loiret
Dimitri Baehler
Come Derabaudy

Undertone

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Undertone

Exposition érotique

Pour la quatrième sélection de l’Inspiration Store, le Studio Marant explore une des grandes thématiques de l’art et de la littérature : l’Erotisme.

Evoquer, connoter, inspirer…
Multiples sont les objets où un regard avisé décèle de nombreux sous-entendus.

Découvrir leurs messages cachés ou leurs doubles usages ne dépendra que de l’attention que vous porterez à cette sélection.

Déroulant le fil de l’érotisme, qui n’a cessé d’inspirer l’histoire artistique et littéraire la nouvelle sélection du Studio Marant dévoile des objets d’art, de mode et de design qui sauront éveiller vos sens.

Une sélection à expérimenter du 21 au 30 avril 2017
dans la Secret Room de la troisième édition de  Sans-Titre 2016;  Nothing to Hide, orchestrée par Marie Madec au 45, quai de la Tournelle.

Rendez-vous galants; Une histoire érotique

– Des collaborations excitantes

Découvrez les collaborations d’Undertone nées au détour de rendez-vous et de conversations :

A La Mère de Famille habillera ses fameuses « Gingembrettes » d’un manuel indispensable en cette saison électorale. L’écrivain Paul-Henry Bizon et le Studio Marant réinterprètent l’iconique Manuel de civilité pour les petites lles  à l’usage des maisons d’éducation de Pierre Louÿs publié en 1927. En 2017, ce manuel à croquer saura s’adresser aux mères de famille souhaitant entrer en politique.

Henriette H créera une culotte servant de guide vers le point G.

Domestique imprégnera sa collection inspirée du bondage-sadomasochiste des lignes de l’artiste Pascal Pillard sur un cuir nude.

LAPS dévoilera une montre exclusive au cadran évocateur en marqueterie de cuir.

Teorema lancera sa collaboration avec l’illustrateur Jean André, un foulard qui vous laissera bouche bée.

Emmanuelle Bousquet présentera « Vertige », une série de photos inédites, qui vous fera découvrir l’art du pool-dance.

Thomas Lélu créera trois visuels exclusifs en détournant des photos érotiques anciennes.

– Une sélection de sous-entendus

Les multiples d’art immortaliseront les perceptions de leurs créateurs.

Photographies par Julien Carreyn, sérigraphies de M/M, culottes de Paul-Armand Gette, livre collector de Thomas Mailender, applique murale de Lise Stouflet, miroir de Jean-Baptiste Carron ou encore le minaret de Vincent Beaurin.

Des éditions limitées pour s’encanailler, une tasse moulée sur le corps de l’artiste Alice Lang, des cloches bijoux à retourner de Mzryk & Moriceau (Le Buisson), le cendrier chargé de l’histoire de Balthus par Katerina Jebb (We do not work alone) ou le porte préservatif de LaContrie, bien intitulé « Le déchargeur ».

Contemporary Games

toupie

Contemporary
Games

Amastan hotel

En Décembre 2016, Studio Marant en collaboration avec Heart Heart Heart et Tailor books investit l’hôtel Amastan pour présenter une sélection playfull!

Au travers d’objets rares, le Studio Marant s’empare du thème du jeu; revisiter les règles et inventer les siennes, redéfinir l’esthétique du jeu 
ou y faire référence, s’approprier les codes ou s’en amuser, les créatifs ne cessent de jouer. Une sélection d’éditions limitées «playful» pensée comme une récréation créative. Manipulez l’oeuvre et entrez dans l’art du jeu!

C’est dans un écrin design que la sélection d’objets Contemporary Games a pris forme ; Des multiples ludiques, Puzzle de Martin Paar, Dentifrit de Mzryk & Moriceau ou encore les lithographies graphiques de Sigrid Calon. Se parer d’accessoires arty avec les bijoux de Studio Uribes évoquants les billes de nos récréations, les blasons d’artistes de Blasons Blazers ou encore les lacets de Ken Kagami. Les jeux de sociétés eux aussi étaient des créations originales; Puzzle Mathieu Mercier et jeux d’échec de Man Ray.  A cette occasion, le Studio Marant collaborait avec Henriette H pour une culotte Joker, Série Limitée Louise pour un torchon Contemporary Games ou encore avec Stéphanie Radenac pour créer les dès extra-lucides.

– Evénements et rencontres d’artistes

Cocktail sur-mesure par Don Papa lors du vernissage,  encore soirée de blind testing de cocktail inspirée par le livre de Ryan Gander (cocktail préparés par Fisher Gin et Golovkin vodka) chaque évènement était pensé autour de l’art du jeu. C’est lors d’une soirée d’hiver que nous avons convié les amis des musées à partager un jeu en chambre avec trois artistes, le labyrinthe pouvait commencer: King kong revisité par Jean-Baptiste Carron, histoire à composer avec Alexandra Lowe ou lecture de carte Extra-Lucide avec Emile Degorce et Helene Garcia

– Heart Heart Heart

Heart Heart Heart et les foulards prennent vie!
 Des foulards aux imprimés en réalité augmentée, Iracema créatrice de Heart Heart Heart présentait Série 9 et son application de réalité augmenté, un nouveau moyen interactif de voir le design.

– Tailor Books

Libraire du rare.
 François à l’initiative de la librairie Tailor Book créa une bibliothèque autour du jeu: des livres précieux de mode, de design et de photographie.

– Hôtel Amastan

Nouvelle destination Parisienne.
 Ouvert depuis peu, l’hôtel Amastan est un boutique hôtel décoré avec soin par le studio de design Nocc. Dans sa galerie adjacente, l’hôtel Amastan accueille des collaborations avec les nouveaux acteurs de la création.

Entrez dans la danse et sortez le grand jeu : dessinez des moutons. Les billes s’entrechoquent, les cartes s’échangent, les créatifs réinventent l’enfance comme la marelle nous emmène au Paradis.

Manifeste de Contemporary Games

– Let’s Play par Céline Poizat

« La question est, dit Humpy Dumpy, de savoir qui est le Maître, c’est tout » *

Dring: entrée de jeu ! La récrée a sonné, la création peut commencer. Jouer franc-jeu, jouez avec le feu, Oulipo joue sur les mots et nous ? Nous, on se joue des règles pour libérer la créativité. Nous, les artistes, les créatifs, sommes d’éternels enfants, des Peter Pan, rêveurs de la nuit étoilée.

Un deux trois, soleil ! Un jeu de cache cache, une lettre effacée,
on a beau jeu de dire que jouer est un jeu d’enfants… encore faut-il
savoir le rester. Il faut une vie pour cela !** « L’enfant est innocence et oubli, un nouveau commencement et un jeu (…) »*** Tirez votre épingle et ayez le beau rôle, celui de l’amusé du monde contemporain, qui touche à tout et loup touche touche. Ainsi font les marionnettes, qui rêvent de châteaux en Espagne entre deux coloriages,
de la vie en rose****.

Entrez dans la danse et sortez le grand jeu : dessinez des moutons*****. Les billes s’entrechoquent, les cartes s’échangent, les créatifs réinventent l’enfance comme la marelle nous emmène au Paradis. « La deuxième étoile à droite et tout droit jusqu’au matin »******. Les rires éclatent, les jupes volent, c’est la rentrée, l’heure de faire un pied de nez à ceux qui ont oublié l’innocence et la gaité.

Les Yéyé l’aimaient tant ce jeu de légèreté, des poupées à l’anis, aux comics trip à la BB. Ils en ont mis des chapeaux, joué au cerf-volant et sorti les déguisements vichy sur la plage ensoleillée.
Ohé ohé !

Le jeu en valait la chandelle mais le réveil est embrumé. Zappez, likez, it’s play time, we are « playful » ! Sacré soirée pour les enfants terribles; il nous en faut plus pour être heureux; on a bu la tasse sous l’océan. Désenchantement programmé pour la génération 2.0, addict au « jeu de la société » : emoji, Tinder, Call of Duty et Lapins Crétins, ok, d’ac’, top; faites vos jeux rien ne va plus… escape the game, il n’y a pas d’issue. Condamnée à se lasser d’un divertissement permanent. Quoi de neuf docteur ? Qu’on leurs coupe la tête !*

« Mais alors, dit Alice, si le monde n’a absolument aucun sens, qui nous empêche d’en inventer un ? » *

– Références

* Alice aux pays des merveilles, Lewis Caroll,
OULIPO – mouvement littéraire Georges Perec
** « Il m’a fallu toute une vie pour savoir dessiner comme un enfant » Pablo Picasso
*** Ainsi parlait Zarathoustra, F. Nietzsche
****« La vie en rose » Edith Piaf
*****Le Petit Prince, Antoine de Saint Exupéry
****** Peter Pan
Yéyé, La petite sirène : « sous l’océan »
« désenchantement » concept sociologique de : Max Weber
« divertissement » concept philosophique de Pascal
Bugs Bunny
+ expression française avec le mot JEU

Le Cercle des Dianes

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Cercle
des Dianes

Café éphémère

– Le Cercle des Dianes

Lové au coeur du Carré Rive Gauche à Paris, Le Cercle des Dianes a été pensé comme un lieu édénique et éphémère qui transcende les codes classiques des cafés parisiens pour offrir une expérience rafraîchissante et singulière.

– Carré rive gauche

Lors du Parcours Rive Gauche, chaque antiquaire choisit de présenter une oeuvre en rapport avec la thématique. Cette année Emily est allée de découverte en découverte : peintures, sculptures, bijoux, tapisseries… l’abondance de propositions en lien avec la féminité l’a instantanément séduite et inspirée. Au fil des discussions et rencontres, elle a noué des relations privilégiées avec de nombreux marchands aux spécialités allant de l’antiquité aux années soixante. Prise d’affection pour cette profession, elle a souhaité créer un lieu d’échange et de rassemblement au sein du Carré Rive Gauche.

– L’équipe du Cercle des Dianes

Emily a fait appel à une « Dream team », Yves Mirande et Fabien Vallérian à qui l’on doit déjà l’éphémère Café de Sèvres réalisé durant les D’Days 2015, ainsi qu’aux designers Ich&Kar, créateur de l’identité graphique du projet. Ensemble, ils ont imaginé et mis en place une expérience d’un genre nouveau entrant en résonance avec son environnement : un cercle à vocation culturelle et gastronomique au sein du Carré Rive Gauche, comme une ode à la féminité. Après recherches, ils découvrent un lieu approprié à leur projet, au rez-de chaussée d’un Hôtel du quai Voltaire, tout auréolé de son glorieux passé, et en attente d’une renaissance.

– L’inspiration

« L’aurore… en robe rose et verte » – Cette citation de Charles Baudelaire tirée des Fleurs du mal et reproduite sur la façade de cet Hôtel du Quai Voltaire où il séjourna, est le point de départ du concept créatif. Le rose traditionnellement associé à l’univers féminin et le vert évoquant la Nature, la fine équipe a choisi de combiner les deux notions. Clin d’oeil aux antiquaires et à l’antiquité, c’est sous la figure tutélaire et mythologique de Diane chasseresse que s’inscrit le projet qui devient ainsi le Cercle des Dianes.

« L’aurore… en robe rose et verte », Charles Baudelaire

– Des collaborations autour de la femme

En collaboration avec plusieurs maisons de savoir-faire, Le Studio Marant propose un pop-up store  offrant aux curieuses et curieux des découvertes surprenantes, des produits créatifs en séries limitées disponibles en exclusivité que l’on retrouve également sur l’Inspiration Store.

Avec ATELIER COLOGNE , le Studio invente un parcours olfactif dans des lieux d’arts sous la forme d’une trousse de voyage éditée à 50 exemplaires et comprenant 5 parfums évocateurs : « Atelier »,  « Architecture  »,  « Antiquaire», « Musée  » et « Le Cercle des Dianes ». L’artiste Réjean crée des assiettes en céramiques à l’effigie des 40 premières Dianes Google.

Chaque objet du pop-up store est une histoire de femme : porte-cartes LA CONTRIE , sautoir AIME , culottes brodées ATELIER HENRIETTE H , bougeoirs MARINE BREYNEART , savons SEEM SOAP , t-shirt KEUR PARIS.

Carré Rive Gauche

Carré Rive Gauche

Ambassadrice de Femme(s)

Le Carré Rive Gauche a le plaisir et l’honneur d’annoncer sa collaboration avec Emily Marant, jeune femme entrepreneuse, créatrice du Studio Marant, à l’occasion de l’exposition Femme(s) qui se tiendra du 31 mai au 4 juin 2016.

La collaboration du Carré Rive Gauche, association née il y a près de 40 ans et regroupant une centaine d’antiquaires et de galeries d’art de renommée internationale, et d’Emily Marant, entrepreneuse et jeune femme curieuse, tombait sous le sens. Emily fait le pont entre les galeries et les antiquaires du Carré Rive Gauche et un public connecté, amoureux du beau et du rare en présentant une sélection d’objets de design contemporain, de pièces datant du XVIIIe au XXe siècle, sur l’inspiration store du Studio Marant. Cette collaboration est une façon de montrer l’évolution de la femme à travers le temps, la continuité entre la femme muse et sujet, la femme artiste, et la femme moderne, la femme d’aujourd’hui, libre et forte. La femme qu’incarne Emily Marant.

En se promenant dans les galeries du Carré Rive Gauche, Emily est tombée sous le charme de 5 oeuvres présentées dans le cadre de l’exposition Femme(s).  Elle a été séduite par la mélancolie du buste de femme en marbre blanc du XVIIIe siècle à la Galerie Tiago , et la force qui se dégage de la sculpture d’ Hiquily chez Jean-Marc Lelouch , troublée par le magnifique Nu à la fourrure de P. Snyers présenté chez Vincent Lécuyer , impressionnée par la minutie de l’aiguière en fer forgé chez François Hayem , dont l’anse représente une sirène, le corps jeté en arrière. Emily s’est aussi arrêtée devant une toile de la Galerie Altero , intitulée Allégorie du Goût , représentant une femme élégante sous le règne de Louis XIV illustrant la mode parisienne de l’époque.

Inspiratrice ou créatrice, la femme occupe une place de choix dans l’histoire de l’art. Idéal de beauté, vecteur de rêve, Eve tentatrice, courtisane, mère, guerrière, la femme charme, subjugue, intrigue.

Idées Multiples

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Idées Multiples

Exposition à la Galerie des Galeries Lafayette

La Galerie des Galeries Lafayette présenta du 10 Juin au 12 Septembre 2015 Idées Multiples, une exposition construite autour de huit oeuvres en édition limitée et imaginée par six personnalités. Lieu d’expérimentation, la Galerie des Galeries imagine de nouvelles formes d’expositions et invite des contributeurs issus de différents champs créatifs à penser ensemble un projet qui interroge l’art, la mode et de design.

Studio Marant et Jean-Baptiste Charpenay-Limon travaillent autour des multiples des artistes – Josh Smith, Johanthan Monk, Pier Stokholm, Elvire Bonduelle, Armelder, Daniel Gordon – pour créer des univers propres à chacun. Au travers d’une sélection d’objets vintage, jeunes créateurs ou marques confirmées, pièces uniques ou en série, ils définissent des espaces intimes pour chaque Multiple.

Définir l’espace intime et élargir l’univers de chaque multiples présentés.

Genesis Book

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Genesis Book

Carnets d’inspiration

Au départ du projet Genesis Book,  un carnet blanc  édité par le Studio Marant pour Chez Moi à 500 exemplaires dans les ateliers Parisiens du maître d’art Créanog et une thématique :
 La Genèse. Transformer une page blanche, projeter son imaginaire, inscrire ses intuitions dans la matière, réinterpréter l’utilité de l’Objet et en proposer sa propre lecture. Artistes, designers, illustrateurs, graphistes, architectes ont été invités à laisser libre cours à leur imagination; collages, dessins, peintures, constructions et déconstructions, sculptures… À chacun sa vision.

– Edition Paris présentée à la galerie-appartement Chez Moi

C’est à l’occasion de l’inauguration du Studio Marant que le projet Genesis Book à été présenté pour la première fois, en collaboration avec la boutique appartement Chez Moi, Paris.  Quinze créatifs  participent au projet Genesis Book pour donner lieu à une exposition en Décembre 2016.

– Les artistes de l’édition Parisienne

L’artiste Laura Sellies, s’inspire du Mépris de Jean-Luc Godard et met le carnet en scène dans une photo .  Réjean, travaille la forme et la matière, il coupe dans la masse du carnet pour en changer l’aspect et lui donner la forme d’un demi citron  – Agoston Palinko, utilise chaque pages de son carnet pour en faire trois grandes toiles- Vuk Vidor, écrit des chansons à l’encre de chine comme des chapitres de livre  -Emile Degorce Duma, travaille autour du carnet et propose des reposes livre uniques

-Shanta Rao repense la forme de son carnet en l’enfermant dans une matière, sa fonction première s’annule et le livre devient une oeuvre- Geraldine Begbeider, l’artiste vit son carnet comme un journal intime, une invitation au voyage dans le quotidien de l’artiste. Détachées de leur socle, chaque page devient un dessin unique  – Bianca Argimon, pyrographie la couverture du carnet et transforme le citron en sein par l’application d’une peau de cuir. En ouvrant le carnet on découvre plusieurs collages de l’artiste qui racontent des scènes d’intérieur, un clin d’oeil à Chez Moi.

– Illustrateurs,  designers, graphistes et architectes

Elena Simon, partage dans son carnet deux histoires à lire dans tous les sens, souvenirs, esquisses ou collages, une invitation à découvrir son univers intime – Antoine Desailly, c’est avec minutie que l’artiste cache dans son carnet trois dessins d’arbres, illustrations de son travail sur la répétition et la finesse  – Iracema Trevisan,  de son talent à créer des imprimés poétiques, la créatrice de mode découpe dans son carnet des formes libres qu’elle associe avec des matériaux pour produire des images- Antoine et Manuel, graphistes et directeurs artistiques imagines 3 carnets illustrants des histoires personnelles  – Cécile Bouffard, designer sort du cadre et transforme l’objet en une sculpture – L’architecte, Pauline Marchetti crée un tryptique, une restitution sensible d’un regard porté sur la ville Asiatique. – les créateurs de bijoux Studio Uribe, Tiffany et Sion vident le contenu du carnet, en ajoutant des éléments tels qu’une tranche en plexiglas et un faux marque page en argent, le livre prend la forme d’une boite précieuse, une boite à bijoux

 “Le regard parcourt les rues comme des pages écrites, les villes invisibles d’Italo Calvino. La ville est un paysage qui se construit par le regard. Le spectateur découpe, carde et assemble des motifs architecturaux disparates en un tout cohérent porté par la singularité de son regard.”               Pauline Marchetti, Sensual Studio

– Edition Bruxelles

A l’occasion d’ Art Brussels et de l’ Independent Art Fair, Stéphanie d’Orglandes et Julia Van Hagen présentent « 4 P I È C E S », la première édition de leur exposition itinérante, qui se tiendra au sein d’un hôtel particulier dédié à la collaboration artistique; L’Atelier Relief.

C’est dans le dialogue entre art contemporain et design que le Studio Marant présente une nouvelle collection de Genesis Book et fait appel à de nouveaux artistes qui interprètent à leur tour le livre blanc:  Lucien Murat, David Brogon et Stéphanie Rollin, Thierry Dreyfus, Garnier & Linker, Marc Buchy, Charbel Abou Zeidan, Elvire Bonduelle, Clara Champsaur, Julien Colombier, Lauren Collin

Jour/Né x Mamo

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JOUR/NE x MAMO

Collection Capsule été 2015

Studio Marant met en place une collaboration unique MAMO x JOUR/NÉ et accompagne la marque pour constituer le vestiaire du vertical lifestyle. Une collection exclusive de prêt-à-porter printemps-été 2015.

Le trio JOUR/NÉ s’inspire de l’esprit de Le Corbusier. Une architecture fonctionnelle, un lieu de vie mais aussi un bâtiment classé, une expérience culturelle.

« Au travers de cette collection nous avons voulu retranscrire les moments d’une journée passée dans la ville verticale qu’est la Cité radieuse ». MAMO x JOUR/NÉ  apporte un twist culturel au vêtement.  Les coupes et matières sont un clin d’œil à l’ancien gymnase. Ora Ito explique : « La fonction première de l’espace MAMO était un lieu dédié au sport, le vertical lifestyle nous replonge ainsi dans les années 50, un concours de tennis entre habitants.»

« Au travers de cette collection nous avons
voulu retranscrire les moments d’une journée
passée dans la ville verticale qu’est la Cité radieuse ».

Miami Ironside

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Miami Ironside

Conférences sur le Design 2015

– Maison & Objet America

Maison & Objet inaugure sa première édition américaine à Miami. En partenaire officiel de Maison & Objet America, Ironside consulte Studio Marant pour organiser un programme de conférences mêlant intervenants européens et américains. – Conférences des designers espagnols Eugénie Quitlet et brésilien Zanini de Zanine, – Table ronde America made us avec la participation des designers Kobi Karp, Terry Reiley, Deborah Wecselman et Nick Gelpi, modéré par le professeur John Stuart. – Campus collective et soirée cloture Maison & Objet América. Performance participative du duo d’artistes Mel & Kio

– Miami Ironside

Miami Ironside, lieu de vie autour du design. L’ancien entrepôt réhabilité en 2003 par Ofer Mizrahi est situé de le Upper Miami.  Ce lieu réunit les univers de la création en accueillant  de nombreuses initiatives, de showrooms (Laufen, Intrium, Oscar Ono Paris, Mafi..)

studios de designers et architectes (Robiccara, Deborah Wecselman, Enea Garden, KZ Architecture…), boutiques et restaurants. Ironside s’inscrit comme acteur local dans les évènements majeurs de Miami, Art Basel et la Design-week Miami.

– Eugeni Quitllet, conférence

Le designer catalan passera en revue son actualité, elle aussi explosive, avec deux nouvelles assises magiques pour Kartell, une nouvelle collection d’objets pour le bureau chez Lexon et la poursuite des collections initiées avec Alias et Vondom. Il y dévoilera enfin en avant première sa toute nouvelle chaise tubulaire pour la marque espagnol Mobles 114. Un travail et une personnalité à découvrir d’urgence si vous n’avez pas encore entendu la voix enthousiaste de celui qui se considère comme un “Disoñador”, contraction espagnole de designer et rêveur. De l’objet à l’espace, Eugeni Quitllet fait partie des ces rares designers capables de poser leur regard sur le monde pour nous le faire redécouvrir.

“Le design, c’est avant tout être libre”  –  Eugéni Quittlet

– Mel & Kio, installation

Le duo d’artistes Mel et Kio crée des œuvres murales poétiques dans l’environnement architectural. Précurseurs du design mural en France depuis 2004, Mel et Kio, respectivement plasticien et auteure de mur créent à quatre mains un art mural monumental in situ qui dialogue avec l’espace, sans limite de format. Pour Ironside, ils créent une oeuvre interactive ou chacun participe en ajoutant un mot poétique.

– Zanini de Zanine, conférence

C’est lors d’un petit déjeuner que le designer brésilien élu créateur de l’année par M&O America a présenté “The Balance Project BOOMSPDESIGN” sous la curation de Roberto Cocenza. Une balançoire conçue pour les espaces publics.

Chez Moi x Mamo

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Chez Moi x Mamo

Un pop up pour l’exposition de Daniel Buren

Studio Marant s’associe avec le concept store Chez moi pour créer une boutique et librairie éphémère à l’occasion de l’exposition « Défini, Fini, Infini » de Daniel Buren au MAMO, centre d’art perché sur le toit-terrasse de la Cité Radieuse de Le Corbusier à Marseille.

– Des collaborations créatives

Des objets en série limitée inspirée du travail de Daniel Buren ont été imaginés avec les marques Wating for the sun et Bois 2. Une marinière aux bandes inversées ainsi qu’une paire de lunettes en résine de bois, gravées de bandes 8,7 cm. Chez Moi édite une collection exclusive de totes bags évoquants les vacances sur le toit de la cité radieuse « Toit terrasse, vue sur la mer », « Piscine, plongeoir, mini-bar » en plus des indispensables pour des vacances culturelles.

– Une sélection sur-mesure

Le cadre architectural imprégné de l’histoire de son créateur Le Corbusier, des lignes de ses designers (Charlotte Perriand et Jean Prouvé), baigné dans la lumière de la Cité Phocéenne et reflété par les oeuvres monumentales de Daniel Buren ne peut qu’inspirer le Studio Marant et Chez Moi, Paris dans le choix des objets présentés.

La librairie éphémère prend forme avec des livres pointus d’art et de design, une sélection de petits objets pensés pour des vacances arty (Le Corbusier par Arteum, papeterie Papier Tigre, jeux de design en bois par Be a Malevich), des indipensables mode inspirés par l’exposition (le vestiaire d’été rayé de Tiger Sushi, une collection de sacs inspirée des Colones de Buren de Corto Moltedo), des pièces de design luxueux de Christofle signées Ora Ito et  enfin le multiple de Le Corbusier de Xavier Veilhan.

Librairie éphémère, objets inspirés, le temps d’un été…